Doll costumizing: the art of personalizing dolls

Dolls are one of the most versatile toys when it comes to children's imaginative games, however fantasy has no age and they keep being a wonderful canvas for adults as well. What happens when a doll collector is also an artist? The two passions join together and the result is a fascinating niche hobby commonly called doll customizing. The customization of dolls exists in many forms and degrees of modification: the range goes from any alteration between changing clothes or hair, painting a new face, and even creating a hybrid by putting together parts of different dolls or sculpting completely new parts! 

Kid Delf Hanael
by Hina Ichigo on Flickr

In the early 2000s the artists and collectors’ favorite objects were garage kits (resin kits that let you piece together and paint a figurine by yourself) and especially the great novelty of the time: the BJDs, that is Ball Jointed Dolls. These resin dolls, introduced by Japanese company Volks in 1999 and since then produced in different forms by many companies in the world, are characterized by their very versatile spherical joints that allow posing in many more positions than a classic doll like Barbie. Furthermore, the possibility to change the removable eyes and hair with the wigs greatly increases the level of customization, letting the artist change character or aesthetic whenever they want. 

MYOU DOLL BJD Unboxing and Dress Up by PINK DOLL

However, this type of dolls requires care regarding the conservation of the resin and the joints. Some types of resin can change color with time, especially if the doll is often exposed to natural light. Because of this it’s necessary to pay attention while choosing the place for the bjd. In addition, the doll’s limbs are kept in tension by a long double elastic, which normally allows it to pose in a solid and secure way. With the passage of time, the elastic loses strength, and it has to be replaced, by taking apart the doll and connecting again all the limbs with a new elastic. With the explosion of the internet's popularity in the same years, many online communities were born, where fans from all over the world could appreciate together a relatively niche interest.

In that period doll customizing was generally a challenging and a bit expensive hobby, but the debut of a particular line of fashion dolls (dolls mainly designed to be dressed up and represent fashions) revolutionized the landscape of this hobby. In 2010 Mattel launched the Monster High doll line, which is very peculiar for different reasons. The dolls represent characters with defined aesthetics and personalities (among their accessories they have a small diary with their story): daughters or relatives of iconic figures of the horror scene such as Frankestein or Dracula, these girls go to a school full of teen monsters, following the slogan “Be Yourself, Be Unique, Be a Monster”. The characters’ aesthetic brings together the horror themes with the charming creepy cute fashion: the dolls have particular clothes and accessories full of details based on each character.

The first group of dolls from Monster High's original line (2010)

Monster High dolls, being fashion dolls and thus designed as toys and not collectors’ items, presented a more compact and cheaper alternative to bjds. Infact, with the average size of a Barbie and double the articulations, these girls not only conquered the hearts of many children, but they also contributed to the accessibility of the hobby to a larger group of artists.

In the span of 12 years, the doll market was filled with models of different shapes and sizes, for the joy of fans. Likewise, the concept of customization evolved in different forms. The term used in the community is OOAK (One Of A Kind), which means a unique piece. One of the most known artists even outside of the community is Filipino artist Noel Cruz, known for his incredible skills with the paintbrush, which gives great realism and life to his dolls, most of which represent celebrities. For example, here is his work with the Beyoncé doll:

Beyoncé doll repainted by Noel Cruz (2013)

Dolls can represent a favorite character, a mythological creature (werewolves, fairies, minotaurs) or even a concept (seasons, zodiac signs, arcana of the tarots. Depending on the artist’s vision, in order to bring this idea to light you need to modify the dolls with clay, resin or other materials. On YouTube you can find wonderful examples of OOAK dolls by artists such as Dollightful, Hextian, Dollmotion, Kyros Workshop, Enchanterium, Valkitty’s World, Doe Deer Wonderland (who takes care of restoring vintages pieces), Kiat B. Saguru and many others. Here I propose some gorgeous works:

Smarágdi, empress of Venus by Valkitty’s World. Part of a collaboration themed after the solar system, this doll represents planet Venus and the emerald stone. The artist explains her process with trivia on the planet and the gem's symbolism. All her videos have Spanish audio with English subtitles.

Xerneas the legendary pokemon by Dollightful. Part of a collaboration that reimagines the three legendary creatures of video games Pokémon X and Pokémon Y, this doll twice as tall as a regular Monster High piece presents an incredible number of body modifications that include all the aforementioned tools, and even the use of a small electric LED circuit for the horns! A project so big that its demonstration is split in two parts you can watch here: part 1 and part 2.

Olivia Aves the owl girl by Dollmotion. This hybrid doll was created with the techniques of head shrinking with acetone and plastic dyeing, with the addition of beak and wings. Olivia is one of the characters of original series Divus, animated with the stop-motion technique (which we talked about in other occasions). In fact, most of Dollmotion’s creations appear in the Divus series, which you can follow on its own YouTube channel.

“Porcelainpunk” doll by Kiat B. Saguru. Inspired by the steampunk aesthetic and the intricate and delicate designs of porcelain objects, this robot charms with her sweet smile and eyes full of wonder together with the story created for her by the artist.

After the more articulated dolls, here are the dolls turned into wonderful sculptures: year of the tiger doll by Hextian. Great fan of the culture and aesthetic of the Drag Queen world, Hextian loves to create strong silhouettes with exaggerated forms. His detailed and elegant dolls are inspired as well by works of fashion designers such as Thierry Mugler and the aesthetic of 2000s doll brand Bratz.

Futuristic Cyberpunk Shero by earthtolylah. Using dolls and resin figurine kits as a base, the artist creates complex, dynamic and unique sculptures. Part of the album “Tell me a fable”, this original character is a futuristic superhero with masks, cables and especially neon colors that react to the blacklight, creating a spectacular effect.

Closer to the concept of restoration is the idea of customizing dolls with the goal to create the illusion that they are factory made this way. Did your character not get a doll in the line dedicated to their film or series? Well, you can make it yourself, with the right materials! The couple of aficionados of dolls and mahou shoujo genre Cosmo and Luke have been showing for many years their collection on their YouTube channel and website Latte e Cartoni (formerly curemoon.com), together with their custom dolls. For instance, Luke managed to create dolls of the Sailor Starlights warriors from the series Sailor Moon Sailor Stars, which were never produced in Italy by Giochi Preziosi, using other pieces from the same line and clothes created with the closest material possible to those of the official products.

Sailor Starlight dolls by Luke of Latte e Cartoni (source: flickr of CureMoon.com)

Through the years, Luke created with this method a great number of dolls from series such as Sailor Moon, Pretty Cure, Wedding Peach and Mermaid Melody Pitchi Pitchi Pitch for his collection and on commission as well. In a relatively recent video, Luke and Cosmo showed the three official dolls of Mermaid Melody by Giochi Preziosi (the protagonists Lucia in pink, Hanon in light blue and Rina in green) accompanied by the custom dolls of the rest of the group present in the series. The fact that you cannot recognize the factory made piece from the hand made one is proof of great skills and attention to details. The YouTube channel, among other content related to cartoons and toys, presents a few tutorials that can be watched in this playlist.

Any modification, from the smallest to the most complex, transforms a doll into a unique piece. That’s the beauty of this hobby: there is not one single way to customize, but infinite possibilities at the service of the fantasy of someone who keeps playing and imagining.

Doll customizing: l'arte di personalizzare le bambole

Le bambole sono uno dei giocattoli più versatili quando si tratta dei giochi immaginari dei bambini, tuttavia la fantasia non ha età ed esse continuano a essere una tela meravigliosa anche per gli adulti. Cosa succede quando un collezionista di bambole è anche un artista? Le due passioni si uniscono e il risultato è un affascinante hobby di nicchia chiamato comunemente doll customizing. La personalizzazione di bambole esiste in molte forme e gradi di modifiche: la gamma comprende qualsiasi alterazione tra il cambiare gli abiti o i capelli, dipingere un nuovo volto, e persino creare un ibrido unendo parti di bambole diverse e modellando parti completamente nuove!

Kid Delf Hanael
di Hina Ichigo su Flickr

Nei primi anni 2000 gli oggetti preferiti da artisti e collezionisti erano i garage kits (kit in resina che permettono di montare e dipingere una statuetta con le proprie mani) e specialmente la grande novità dell’epoca: le BJD, cioè Ball Jointed Dolls. Queste bambole in resina, introdotte dalla compagnia giapponese Volks nel 1999 e da allora prodotte in diverse forme da molte aziende nel mondo, sono caratterizzate dai loro giunti sferici molto versatili che permettono di mettere in posa in molte più posizioni rispetto a una bambola classica come Barbie. Inoltre, la possibilità di cambiare gli occhi estraibili e i capelli con le parrucche aumenta incredibilmente il livello di personalizzazione, permettendo all’artista di cambiare personaggio o estetica tutte le volte che vuole.

MYOU DOLL BJD Unboxing and Dress Up di PINK DOLL

Tuttavia, questo tipo di bambole ha bisogno di cure per quanto riguarda la conservazione della resina e le sue articolazioni. Alcuni tipi di resina possono cambiare colore con il passare del tempo, specialmente se la bambola è esposta spesso alla luce naturale diretta. Per questo è necessario stare attenti nella scelta del luogo della bjd. Inoltre, le estremità della bambola sono tenute in tensione da un lungo elastico doppio, che normalmente permette di mettere in posa in modo solido e sicuro. Con il tempo, l’elastico perde la sua forza, e bisogna sostituirlo, smontando la bambola e collegando di nuovo tutte le estremità con un nuovo elastico. Con l’esplosione della popolarità di internet negli stessi anni, nacquero moltissime comunità online dove appassionati di tutto il mondo potevano apprezzare insieme un interesse relativamente di nicchia. 

All’epoca il doll customizing era generalmente un hobby impegnativo e un po’ costoso, però il debutto di una linea particolare di fashion dolls (bambole ideate principalmente per essere vestite e rappresentare le mode) rivoluzionò il panorama di questo hobby. Nel 2010 Mattel lanciò la linea di bambole Monster High, molto particolare per diverse ragioni. Le bambole rappresentano personaggi con estetiche e personalità definite (tra i loro accessori avevano un piccolo diario con la loro storia): figlie o parenti di figure iconiche dell’immaginario horror come Frankenstein o Dracula, queste ragazze frequentano una scuola piena di mostri adolescenti, seguendo lo slogan “Be Yourself, Be Unique, Be a Monster”. L’estetica dei personaggi unisce i temi horror con la moda graziosa del creepy cute: le bambole hanno abiti e accessori particolari e pieni di dettagli basati su ogni personaggio. 

Il primo gruppo di bambole della linea originale di Monster High (2010)

Le bambole Monster High, essendo fashion dolls e perciò ideate come giocattolo e non come pezzo da collezione, presentavano un’alternativa più compatta ed economica alle bjd. Di fatto, con le dimensioni medie di una Barbie e il doppio delle articolazioni, queste ragazze non solo hanno conquistato il cuore di tantissimi bambini, bensì hanno contribuito anche all'accessibilità dell’hobby a un gruppo più ampio di artisti.

Nel corso di 12 anni, il mercato delle bambole si è riempito di modelli di diverse forme e dimensioni, per la gioia degli appassionati. Allo stesso modo, il concetto di personalizzazione si è evoluto in diverse forme. Nella comunità si utilizza il termine OOAK (One Of A Kind), che significa pezzo unico. Uno degli artisti più conosciuti persino al di fuori della comunità è il filippino Noel Cruz, famoso per la sua incredibile abilità con il pennello che da un grande realismo e vita alle sue bambole, la maggior parte delle quali rappresentano celebrità. Per esempio, ecco qui il suo lavoro con la bambola di Beyoncé:

Bambola di Beyoncé ridipinta da Noel Cruz (2013)

Le bambole possono rappresentare un personaggio preferito, una creatura mitologica (licantropi, fate, minotauri) o addirittura un concetto (le stagioni, i segni zodiacali, gli arcani dei tarocchi). A seconda della visione dell’artista, per portare alla luce questa idea bisogna modificare la bambola con pasta per modellare, resina e altri materiali. Su YouTube si possono trovare esempi splendidi di bambole OOAK di artisti come Dollightful, Hextian, Dollmotion, Kyros Workshop, Enchanterium, Valkitty’s World, Doe Deer Wonderland (che si dedica anche al restauro di pezzi vintage), Kiat B. Saguru e molti altri. Qui propongo alcune opere stupende:

Smarágdi, l’imperatrice di Venere di Valkitty’s World. Parte di una collaborazione sul tema del sistema solare, questa bambola rappresenta il pianeta Venere e la pietra dello smeraldo. L’artista spiega il suo processo con curiosità sul simbolismo del pianeta e della gemma. Tutti i suoi video hanno audio spagnolo con sottotitoli in inglese.

Xerneas il pokémon leggendario di Dollightful. Parte di una collaborazione che re-immagina le tre creature leggendarie dei videogiochi Pokémon X e Pokémon Y, questa bambola alta il doppio di un esemplare regolare di Monster High presenta un numero incredibile di modifiche corporali che includono tutti gli strumenti già citati, e persino l’utilizzo di un piccolo circuito elettrico LED per le corna! Un progetto così grande che la sua dimostrazione è divisa in due parti che potete vedere qui: parte 1 e parte 2.

Olivia Aves la ragazza gufo di Dollmotion. Questa bambola ibrida è stata creata con le tecniche del rimpicciolimento della testa in acetone e la tintura della plastica, con aggiunta di becco e ali. Olivia è uno dei personaggi della serie originale Divus animata con la tecnica dello stop-motion (animazione passo uno, di cui abbiamo parlato in altre occasioni). Infatti, la maggior parte delle creazioni di Dollmotion appaiono nella serie Divus, che potete seguire sul suo canale YouTube dedicato.

Bambola “Porcelainpunk” di Kiat B. Saguru. Ispirata all’estetica steampunk e ai disegni intricati e delicati degli oggetti di porcellana, questo robot incanta con il suo dolce sorriso e gli occhi pieni di meraviglia insieme alla storia creata per lei dall’artista.

Dopo le bambole più articolate, ecco le bambole trasformate in sculture meravigliose: bambola dell’anno della tigre di Hextian. Grande appassionato della cultura ed estetica del mondo Drag Queen, Hextian adora creare silhouettes marcate con forme esagerate. Le sue bambole dettagliate ed eleganti sono ispirate anche dalle opere di stilisti come Thierry Mugler e l’estetica della marca di bambole degli anni 2000 Bratz.

Futuristic Cyberpunk Shero di earthtolylah. Utilizzando bambole e kit per figurine in resina come base, l’artista crea sculture complesse, dinamiche e uniche. Parte dell’album “Tell me a fable”, questo personaggio originale è una supereroina futuristica con maschere, cavi e soprattutto colori neon che reagiscono alla luce ultravioletta, creando un effetto spettacolare.

Più vicina al concetto di restauro è l’idea di personalizzare bambole con lo scopo di creare l’illusione che siano fatte così di fabbrica. Il tuo personaggio preferito non ha avuto una bambola nella linea dedicata al suo film o serie? Bene, lo puoi fare tu stesso, con il materiale giusto! La coppia di appassionati di bambole e del genere mahou shoujo Cosmo e Luke mostrano da molti anni la loro collezione sul canale YouTube e sito web Latte e Cartoni (precedentemente curemoon.com), insieme alle loro custom doll. Per esempio, Luke è riuscito a creare bambole delle guerriere Sailor Starlights della serie Sailor Moon Sailor Stars, che non sono mai state prodotte in Italia da Giochi Preziosi, utilizzando altri pezzi della stessa linea e abiti creati con il materiale più vicino possibile a quello dei prodotti ufficiali.

Bambole delle Sailor Starlights di Luke di Latte e Cartoni (fonte: flickr di CureMoon.com)

Nel corso degli anni, Luke ha creato in questo modo un grande numero di bambole di serie come Sailor Moon, Pretty Cure, Wedding Peach e Mermaid Melody Pitchi Pitchi Pitch per la sua collezione e anche su commissione. In un video relativamente recente, Luke e Cosmo mostrano le tre bambole ufficiali di Mermaid Melody della Giochi Preziosi (le protagoniste Lucia in rosa, Hanon in azzurro e Rina in verde) accompagnate dalle bambole personalizzate del resto del gruppo presente nella serie. Il fatto che non si possa riconoscere il pezzo di fabbrica da quello prodotto manualmente è prova della grande abilità e attenzione ai dettagli. Il canale YouTube, tra altri contenuti relativi a cartoni animati e giocattoli, presenta alcuni tutorial che potete vedere in questa playlist.

Qualsiasi modifica, dalla più piccola alla più complessa, trasforma una bambola in un pezzo unico. Ecco la bellezza di questo hobby: non c’è un solo modo di personalizzare, bensì infinite possibilità al servizio della fantasia di qualcuno che continua a giocare e immaginare.

Doll customizing: el arte de personalizar muñecas

Las muñecas son uno de los juguetes más versátiles con respecto a los juegos de imaginación de los niños, sin embargo la fantasía no tiene edad y ellas siguen siendo un lienzo maravilloso para los adultos también. ¿Qué pasa cuando un coleccionista de muñecas es un artista también? Las dos aficiones se juntan y el resultado es un fascinante hobby de nicho llamado comúnmente doll customizing. La personalización de muñecas existe en muchas formas y grados de modificaciones: el rango comprende cualquiera alteración entre cambiar los trajes o el pelo, pintar una nueva cara, ¡e incluso crear un híbrido juntando partes de muñecas diferentes o modelando partes completamente nuevas!

Kid Delf Hanael por
Hina Ichigo on Flickr

En los primeros años 2000 los objetos preferidos por los artistas y coleccionistas eran los garage kits (kit en resina que permiten montar y pintar una figurita por propia mano) y especialmente la gran novedad de la época: las BJD, es decir Ball Jointed Dolls. Estas muñecas en resina, introducidas por la compañía japonesa Volks en 1999 y desde entonces producidas de diferentes formas por muchas empresas en el mundo, son caracterizadas por sus articulaciones esféricas muy versátiles que permiten posar en muchas más posiciones que una muñeca clásica como Barbie. Además, la posibilidad de cambiar los ojos extraíbles y el pelo con las pelucas aumenta increíblemente el nivel de personalización, permitiendo al artista cambiar personaje o estética todas las veces que desee.

MYOU DOLL BJD Unboxing and Dress Up por PINK DOLL

Sin embargo, este tipo de muñecas necesita cuidado con respecto a la conservación de la resina y sus articulaciones. Algunos tipos de resina pueden cambiar su color al pasar del tiempo, especialmente si la muñeca es expuesta a la luz natural directa a menudo. Por eso es necesario tener cuidado eligiendo el lugar de la bjd. Además, las extremidades de las muñecas son tenidas en tensión por una larga goma doblada, que normalmente permite posar de manera sólida y segura. Al pasar del tiempo, la goma pierde su fuerza, y tiene que ser reemplazada, desmontando la muñeca y conectando de nuevo todas las extremidades con una nueva goma. Con la explosión de la popularidad de internet en los mismo años, nacieron muchísimas comunidades por la red donde aficionados de todo el mundo pudieron apreciar juntos un interés relativamente de nicho.

En esa época el doll customizing era generalmente un hobby exigente y un poco costoso, pero el debut de una línea particular de fashion dolls (muñecas principalmente diseñadas para ser vestidas y representar las modas) revolucionó el panorama de este hobby. En 2010 Mattel lanzó la línea de muñecas Monster High, muy particular por diferentes razones. Las muñecas representan personajes con estética y personalidades definidas (entre sus accesorios tenían un pequeño diario con su historia): hijas o familiares de figuras icónicas del imaginario del terror como Frankenstein o Dracula, estas chicas frecuentan una escuela llena de monstruos adolescentes, siguiendo el eslogan "Be Yourself, Be Unique, Be a Monster". La estética de los personajes junta los temas terroríficos con la moda mona del creepy cute: las muñecas tienen ropas y accesorios particulares y llenos de detalles basados en cada personaje.

El primero grupo de muñecas de la linea original de Monster High (2010)

Las muñecas Monster High, debido a ser fashion dolls y por eso ideadas como juguete y no pieza de colección, presentaban una alternativa más compacta y económica a las bjd. De hecho, con el tamaño medio de una Barbie y el doble de las articulaciones, estas chicas no solo ganaron el corazón de muchísimos niños sino también contribuyeron a la accesibilidad del hobby a un grupo más amplio de artistas. 

En el curso de 12 años, el mercado de las muñecas se llenó de modelos de diferentes formas y tamaños, para el deleite de los aficionados. Asimismo, el concepto de personalización evolucionó en diferentes formas. En la comunidad se utiliza el término OOAK (One Of A Kind), es decir pieza única. Uno de los artistas más conocidos incluso fuera de la comunidad es el filipino Noel Cruz, célebre por su increíble habilidad con el pincel que dona un gran realismo y vida a su muñecas, la mayoría de las cuales representan celebridades. Por ejemplo, aquí está su trabajo con la muñeca de Beyoncé:

Muñeca de Beyoncé repintada por Noel Cruz (2013)

Las muñecas pueden representar un personaje favorito, una criatura de la mitología (licántropos, hadas, minotauros) o incluso un concepto (las temporadas, los signos zodiacales, los arcanos del tarot). Según la visión del artista, para sacar a la luz esta idea se necesita modificar la muñeca con pasta de modelar, resina y otros materiales. En YouTube se pueden encontrar ejemplos hermosos de muñecas OOAK por artistas como Dollightful, Hextian, Dollmotion, Kyros Workshop, Enchanterium, Valkitty’s World, Doe Deer Wonderland (que se dedica a la restauración de piezas vintage también), Kiat B. Saguru y muchos otros. Aquí propongo algunas obras bonitas:

Smarágdi, la emperatriz de Venus por Valikitty’s World. Parte de una colaboración sobre el tema del sistema solar, esta muñeca representa al planeta Venus y la piedra de la esmeralda. La artista explica su proceso con curiosidades sobre el simbolismo del planeta y de la gema. Todos sus vídeos tienen audio español con subtítulos en inglés.

Xerneas el pokémon legendario por Dollightful. Parte de una colaboración que reimagina las tres criaturas legendarias de los videojuegos Pokémon X y Pokémon Y, esta muñeca el doble de altura de una pieza regular de Monster High presenta un increíble número de modificaciones corporales que incluyen todas las herramientas ya mencionadas, ¡incluso el utilizo de un pequeño circuito de iluminación LED para los cuernos! Un proyecto tan grande que su demostración está dividida en dos partes que se pueden visionar aquí: parte 1 y parte 2.

Olivia Aves la chica búho por Dollmotion. Esta muñeca híbrida fue creada con las técnicas de reducción de la cabeza en acetona y de tintura de plástico, con adiciones de pico y alas. Olivia es uno de los personajes de la serie original Divus animada con la técnica de stop-motion (animación en volumen, que tratamos en otras ocasiones). De hecho, la mayoría de las creaciones de Dollmotion aparecen en la serie Divus, que podéis seguir en su propio canal de YouTube.

Muñeca “Porcelainpunk” por Kiat B. Saguru. Inspirada en la estética steampunk y los diseños intrincados y delicados de los objetos en porcelana, este robot encanta con su suave sonrisa y ojos llenos de maravilla juntos con la historia creada para ella por el artista.

Después de las muñecas muy articuladas, aquí están las muñecas convertidas en maravillosas esculturas: muñeca del año del tigre por Hextian. Grande aficionado de la cultura y estética del mundo Drag Queen, Hextian adora crear siluetas marcadas con formas exageradas. Sus muñecas detalladas y elegantes son inspiradas también por las obras de diseñadores de moda como Thierry Mugler y la estética de la marca de muñecas de los años 2000 Bratz.

Futuristic Cyberpunk Shero por earthtolylah. Utilizando muñecas y kit para figuritas en resina como base, la artista crea esculturas complejas, dinámicas y únicas. Parte del álbum “Tell me a fable”, este personaje original es una superheroína futurista con máscaras, cordones y sobre todo colores neón que reaccionan bajo la luz ultravioleta, creando un efecto espectacular.

Más cercana al concepto de restauración es la idea de personalizar muñecas con el fin de crear la ilusión que estén hechas así de fábrica. ¿Tu personaje favorito no tuvo una muñeca en la línea dedicada a su película o serie? ¡Bueno, puedes hacerlo tú mismo, con el material adecuado! La pareja de aficionados de muñecas y del género mahou shoujo Cosmo y Luke desde hace muchos años muestra su colección en su canal de YouTube y página web Latte e Cartoni (precedentemente curemoon.com), junto con sus custom dolls. Por ejemplo, Luke logró crear muñecas de las guerreras Sailor Starlights de la serie Sailor Moon Sailor Stars, que nunca fueron producidas en Italia por Giochi Preziosi, utilizando otras piezas de la misma línea y ropas hechas con el material más cercano posible al de los productos oficiales.

Muñecas de las Sailor Starlights por Luke de Latte e Cartoni (fuente: flickr de CureMoon.com)

A través de los años, Luke creó un gran número de muñecas de esta manera de series como Sailor Moon, Pretty Cure, Wedding Peach y Mermaid Melody Pitchi Pitchi Pitch para su colección y por encargo también. En un vídeo relativamente recente, Luke e Cosmo muestran las tres muñecas oficiales de Mermaid Melody por Giochi Preziosi (las protagonistas Lucia en rosa, Hanon en azul y Rina en verde) acompañadas por las muñecas personalizadas del resto del grupo presente en la serie. El hecho que no se pueda reconocer la pieza de fábrica de la producida manualmente es prueba de la gran habilidad y atención a los detalles. El canal de YouTube, entre otros contenidos relativos a dibujos animados y juguetes, presenta algunos tutoriales que se pueden ver en esta playlist. 

Cualquier modificación, desde la más pequeña a la más compleja, convierte una muñeca en una pieza única. Esa es la belleza de este hobby: no hay una sola manera de personalizar, sino infinitas posibilidades al servicio de la fantasía de alguien que sigue jugando e imaginando. 

Misseri Studio: champion of Italian stop-motion animation

A while ago, discussing one of Sardegna Film Commission’s short films, we talked about the Italian animation studio Misseri Studio, mainly known for its stop-motion productions. Today I’ll try to make an excursus starting from its origins in the late 50s up to its current projects.

Susanna doll
(source: mondocarosello)

Before Misseri Studio, in 1957 Francesco Misseri founded Studio K, which worked on many commercial productions for the advertising interstitial show Carosello, creating several characters, among which Susanna Tuttapanna, Olivella e Mariarosa, Dolce cara mammina. Studio K produced animations for Carosello from 1961 to 1976. Together with Renzo Tarchi, Pier Francesco Tamburini and Marino Marchi he initially approached animation because working on live-action filming in Florence wasn’t as practical as it was in Rome or Milan, and cartoons were an alternative that soon won over the audience.

Susanna Tuttapanna is one of the most memorable characters of this era: a cute girl animated in 2D in order to promote the Invernizzi dairy products . Susanna was so popular that there were toys and memorabilia in her image, and to this day she keeps being appreciated by fans of vintage icons. 

Susanna socks
(source: mondocarosello)

Regarding stop-motion animation, Studio K in 1968 started creating animations with actual objects in Florence for Fernet Branca. Later they made a single series of animations with clay in order to give their former employees Rodolfo Marcenaro and Paolo Villani the time to organize in order to produce on their own in Milan in the Tipofilm studio. Approximately half of the animations were animator Fusako Yusaki’s work, the other half was made by sculptor and animator Massimilano Squillace. 

Before founding Misseri Studio in 1974, Francesco Misseri worked on the series Mio Mao in studio PMBB of which he was a founding member. Protagonists of the series are two curious cats that discover different creatures in each episode. With the clay stop-motion animation technique (claymation), 26 episodes of 5 minutes each were produced. One of the most memorable characteristics of the series is the use of sounds and onomatopoeias in the place of verbal dialogue: this makes the series comprehensible beyond language barriers. Furthermore, the lack of dialogue amplifies the expressiveness of the characters. Piero Barbetti took care of the composition of the musical theme for the kittens’ adventures. Later on, after getting back the distribution rights in 2000 and remastering the first season, Misseri Studio produced in collaboration with British broadcaster Channel Five two new seasons of 26 episodes each between 2005 and 2007 in the same Florence studios where the first one was created.

Mio Mao wasn’t the only series with these characteristics: Quaqquao was animated with folded paper sheets like in the art of origami; A.E.I.O.U. animated sand accompanied by orchestral music; The Red and the Blue used clay; and finally it was possible to animate Pozzie with water drops! They all have in common the use of music as an essential part of the narration, combined with their non verbal language and the colorful and imaginative scenes.

Almost all of them were productions by the studio, but Pozzie is a special case: a co-production with the Japanese tv broadcaster NHK, a unique experiment. Thanks to an innovative technique, the animators managed to give form to water droplets moving and shaping them, as if they were clay, on a glass sheet. The use of coloring allows as well to create interesting forms with which the protagonist interacts. Pozzie is a living water droplet, curious and happy like a child, who discovers and plays with water objects, often changing shape. The series had 13 episodes of one minute and a half each.

Another important collaboration of Misseri Studio was with Sesame Workshop: they produced many animated segments for the series Sesame Street, mainly using clay and occasionally paper and sand. Its main production was the series Bert and Ernie’s Great Adventures, segments of Sesame Street in which Bert and Ernie use their imagination to visit peculiar places and live adventures. The series, produced between 2008 and 2017 with clay stop-motion animation (claymation), is presented to the international market as two seasons of 26 episodes each of 5 minutes, separated from the Sesame Street episodes of origin.

Misseri Studio’s experiments don’t end here: in 2013 the animated series Mofy aired, based on characters from Japanese author Aki Kondo’s illustrated books. The adventures of the little bunny Mofy and her soft friends are animated by manipulating cotton with an innovative technique. The series is a co-production between Misseri Studio, Sony Creative Products, Rai Fiction and ZDF, involving Italy, Japan and Germany. The three seasons account for a total of 78 episodes of 5 minutes each, and have the goal to help the emotional and relational growth of children, who can identify with Mofy.

Promotional image for Paper Mask
(source: misseristudio.com)

Finally, Misseri Studio animators are working in collaboration with Chinese company UYoung for the Paper Mask project: a pioneering animation that uses paper folding in a dynamic way, all animated manually in stop-motion without any digital compromise. The protagonist is a brave cat that travels through a paper world in ruins in order to find a dog that could save its future. So far we have a trailer for the project on the studio’s website, with an incredible demonstration of the animators’ skills!

Through the decades Misseri Studio kept experimenting, always looking for the answer to the question “Could I animate with this element?” and reaching new goals every time. What an admirable studio, it made the history of Italian animation and it keeps bringing its art into the world!

Misseri Studio: campione dell'animazione stop-motion italiana

In passato, trattando uno dei cortometraggi di Sardegna Film Commission, abbiamo parlato dello studio di animazione italiano Misseri Studio, conosciuto principalmente per le sue produzioni in stop-motion. Oggi cercherò di fare un excursus a partire dalle sue origini alla fine degli anni 50 fino ai suoi progetti attuali.

Bambola di Susanna
(fonte: mondocarosello)

Prima di Misseri Studio, nel 1957 Francesco Misseri ha fondato lo Studio K, che ha lavorato in molte produzioni commerciali per il programma contenitore televisivo Carosello, creando diversi personaggi, tra cui Susanna Tuttapanna, Olivella e Mariarosa, Dolce cara mammina. Studio K ha prodotto animazioni per Carosello dal 1961 al 1976. Insieme a Renzo Tarchi, Pier Francesco Tamburini e Marino Marchi si è inizialmente dedicato all’animazione perché non era molto pratico lavorare alle riprese dal vivo a Firenze come lo era a Roma o Milano, e i cartoni animati erano un’alternativa che ha presto conquistato gli spettatori.

Susanna Tuttapanna è uno dei personaggi più memorabili di questo periodo: una graziosa bambina animata in 2D per promuovere i prodotti caseari Invernizzi. Susanna era talmente popolare che esistevano giocattoli e memorabilia a sua immagine, e tuttora continua a essere apprezzata dagli appassionati di icone vintage.

Calze di Susanna
(fonte: mondocarosello)

Per quanto riguarda l’animazione stop-motion, Studio K nel 1968 ha iniziato a creare animazioni di oggetti reali a Firenze per Fernet Branca. In seguito, hanno fatto una sola serie di animazioni con la plastilina per lasciare ai loro ex impiegati Rodolfo Marcenaro e Paolo Villani il tempo di organizzarsi per produrre da sé a Milano nello studio Tipofilm. Approssimativamente la metà delle animazioni erano opera dell’animatrice Fusako Yusaki, l’altra parte è stata messa in atto dallo scultore e animatore Massimiliano Squillace.

Prima di fondare Misseri Studio nel 1974, Francesco Misseri ha lavorato alla serie Mio Mao nello studio PMBB di cui è  stato socio fondatore. I protagonisti della serie sono due gatti curiosi che scoprono diverse creature ogni episodio. Con la tecnica di animazione stop-motion con la plastilina (claymation), sono stati prodotti 26 episodi di 5 minuti ciascuno. Una delle caratteristiche più memorabili della serie è l'uso di suoni e onomatopee al posto del dialogo verbale: questo fa in modo che la serie sia comprensibile al di là delle barriere linguistiche. Inoltre, la mancanza di dialogo amplifica l'espressività dei personaggi. Piero Barbetti si è occupato della composizione del tema musicale delle avventure dei gattini. In seguito, dopo aver recuperato i diritti di distribuzione nel 2000 e aver rimasterizzato la prima stagione, Misseri Studio ha prodotto in collaborazione con il canale britannico Channel Five due nuove stagioni di 26 episodi ciascuna tra il 2005 e il 2007 negli stessi studi di Firenze dove è stata creata la prima.

Mio Mao non è stata l’unica serie con queste caratteristiche: Quaqquao era animato con fogli di carta ripiegati come nell’arte dell’origami; A.E.I.O.U. animava la sabbia accompagnata da musica d'orchestra; The Red and the Blue utilizzava la plastilina; e infine è stato possibile animare Pozzie con gocce d’acqua! Tutte hanno in comune l’uso della musica come parte fondamentale della narrazione, in combinazione con il loro linguaggio non verbale e le scene colorate e piene di immaginazione.

Quasi tutte sono state produzioni dello studio, però Pozzie è un caso speciale: una co-produzione con l’emittente televisiva giapponese NHK, un esperimento unico. Grazie a una tecnica innovativa, gli animatori sono riusciti a dare forma a gocce d’acqua muovendole e modellandole, come se fossero plastilina, sopra una lastra di vetro. L’uso del colorante permette anche di creare forme interessanti con le quali interagisce il protagonista. Pozzie è una goccia d’acqua vivente, curiosa e felice come un bambino, che scopre e gioca con oggetti d’acqua, cambiando spesso forma. La serie ha 13 episodi che durano un minuto e mezzo.

Un’altra collaborazione importante di Misseri Studio è stata quella con Sesame Workshop: sono stati prodotti molti segmenti animati per la serie Sesame Street, utilizzando principalmente la plastilina e occasionalmente carta e sabbia. La sua produzione principale è stata la serie Bert and Ernie’s Great Adventures, segmenti di Sesame Street in cui Bert e Ernie usano la loro immaginazione per visitare luoghi particolari e vivere avventure. La serie, prodotta dal 2008 al 2017 con l’animazione stop-motion di plastilina (claymation), è presentata al mercato internazionale come due stagioni di 26 episodi da 5 minuti ciascuna, separati dagli episodi di origine di Sesame Street.

Gli esperimenti di Misseri Studio non finiscono qui: nel 2013 è andata in onda la serie animata Mofy, basata sui personaggi dei libri illustrati dell’autrice giapponese Aki Kondo. Le avventure della coniglietta Mofy e i suoi morbidi amici sono animate manipolando il cotone con una tecnica innovativa. La serie è una coproduzione tra Misseri Studio, Sony Creative Products, Rai Fiction e ZDF, che coinvolge Italia, Giappone e Germania. Le tre stagioni presentano un totale di 78 episodi di 5 minuti ciascuno, e hanno lo scopo di aiutare la crescita emotiva e relazionale dei bambini, che si possono identificare con Mofy. 

Immagine promozionale di Paper Mask
(fonte: misseristudio.com)

Infine, gli animatori di Misseri Studio stanno lavorando in collaborazione con la compagnia cinese UYoung per il progetto Paper Mask: un’animazione pionieristica che utilizza i ripiegamenti della carta in modo dinamico, tutto animato manualmente in stop-motion senza alcun compromesso digitale. Il protagonista è un gatto intrepido che viaggia attraverso un mondo di carta in rovina per trovare il cane che potrebbe salvarne il futuro. Per il momento abbiamo un trailer del progetto nel sito dello studio, con un’incredibile dimostrazione di abilità degli animatori!

Nel corso dei decenni Misseri Studio ha continuato a sperimentare, cercando sempre la risposta alla domanda “Potrei animare con questo elemento?” e raggiungendo nuove mete ogni volta. Che studio ammirabile, ha fatto la storia dell’animazione italiana e continua a portare la sua arte nel mondo!

Misseri Studio: campeón de la animación stop-motion italiana

En pasado, tratando uno de los cortometrajes de Sardegna Film Commission hablamos del estudio de animación italiano Misseri Studio, conocido principalmente por su producciones en animación en volumen. Hoy intentaré hacer un recorrido a partir de los orígenes a finales de los años 50 hasta su proyectos corrientes.

Muñeca de Susanna
(fuente: mondocarosello)

Antes de Misseri Studio, en 1957 Francesco Misseri fundó el Studio K, que trabajó en muchas producciones comerciales para el contenedor de entretenimiento televisivo Carosello, creando diferentes personajes, entre ellos Susanna Tuttapanna, Olivella e Mariarosa, Dolce cara mammina. Studio K produció animaciones para Carosello de 1961 a 1976. Junto con Renzo Tarchi, Pier Francesco Tamburini y Marino Marchi en principio se dedicó a la animación por qué no era tan práctico trabajar en las filmaciones en Florencia como lo era en Roma o Milán, y los dibujos animados eran una alternativa que pronto conquistó a los espectadores. 

Susanna Tuttapanna es uno de los personajes más memorables de esta época: una niña cariñosa animada en 2D para promover los productos lácteos Invernizzi. Susanna era tan popular que existían juguetes y memorabilia en su imagen, y hoy en día sigue siendo apreciada por los aficionados de iconos vintage.

Calcetines de Susanna
(fuente: mondocarosello)

Con respecto a la animación en volumen, Studio K en 1968 empezó a crear animaciones de objetos reales en Florencia para Fernet Branca. Luego, hicieron una sola serie de animaciónes con la plastilina para dejar a su ex empleados Rodolfo Marcenaro y Paolo Villani el tiempo de organizarse para producirlas ellos mismos en Milán en el estudio Tipofilm. Aproximadamente la mitad de las animaciones eran obra de la animadora Fusako Yusaki, la otra parte fue hecha por el escultor y animador Massimiliano Squillace. 

Antes de fundar Misseri Studio en 1974, Francesco Misseri trabajó en la serie Mio Mao en el estudio PMBB del que fue socio fundador. La serie es protagonizada por dos gatitos curiosos que descubren criaturas diferentes cada episodio. Con la técnica de animación en volumen de plastilina (claymation), se produjeron 26 episodios de 5 minutos cada uno. Una de las características más memorables de la serie es el uso de sonidos y onomatopeyas en lugar de diálogo verbal: eso hace que la serie sea comprensible más allá de las barreras lingüísticas. Además, la falta de diálogo amplifica la expresividad de los personajes. Piero Barbetti se ocupó de componer el tema musical de las aventuras de los gatitos. Luego, después de recuperar los derechos de distribución en 2000 y remasterizar la primera temporada,  Misseri Studio produjo en colaboración con el canal británico Channel Five dos nuevas temporadas de 26 episodios cada una, entre 2005 y 2007, en los mismos estudios de Florencia donde se creó la primera.

Mio Mao no fue la única serie con estas características: Quaqquao era animado con hojas de papel plegado como en el arte del origami; A.E.I.O.U. animaba la arena acompañada por música de orquesta; The Red and the Blue utilizaba plastilina; ¡y finalmente en Pozzie se pudo animar con gotas de agua! Todas tienen en común el uso de la música como parte fundamental de la narración, en combinación con su lenguaje no verbal y las escenas coloridas y llenas de imaginación.

Casi todas estas fueron producciones del estudio, pero Pozzie es un caso especial: una co-producción con la emisora de televisión japonés NHK, un experimento único. Gracias a una técnica innovadora, los animadores llegaron a dar forma a gotas de agua de hecho moviéndolas y modelándolas, como si fueran plastilina, sobre de una hoja de vidrio. El uso de colorante permite también crear formas interesantes con las cuales interactúa el protagonista. Pozzie es una gota de agua viviente, curiosa y feliz como un niño, que descubre y juega con objetos de agua, cambiando forma a menudo. La serie cuenta con 13 episodios que duran 1,5 minutos.

Otra colaboración importante de Misseri Studio fue con Sesame Workshop: se produjeron muchos segmentos animados para la serie Sesame Street, utilizando principalmente la plastilina y ocasionalmente papel y arena. Su producción principal es la serie Bert and Ernie’s Great Adventures, segmentos de Sesame Street donde Bert y Ernie usan su imaginación para visitar lugares particulares y vivir aventuras. La serie, producida de 2008 a 2017 con animación stop-motion de plastilina (claymation), es presentada al mercado internacional como dos temporadas de 26 episodios cada una de 5 minutos, separados de los capítulos de Sesame Street de origen. 

Los experimentos de Misseri Studio no terminan aquí: en 2013 se estrenó la serie animada Mofy, basada en los personajes de los libros ilustrados de la autora japonés Aki Kondo. Las aventuras de la conejita Mofy y sus suaves amigos son animadas manipulando el algodón con una técnica innovadora. La serie es una coproducción entre Misseri Studio, Sony Creative Products, Rai Fiction y ZDF, que involucra a Italia, Japón y Alemania. Las tres temporadas cuentan con un total de 78 episodios de 5 minutos cada uno, y tienen la finalidad de ayudar el crecimiento emocional y relacional de los niños, que se pueden identificar en Mofy. 

Imagen promocional de Paper Mask
(fuente: misseristudio.com)

Finalmente, los animadores de Misseri Studio están trabajando en colaboración con la compañía china UYoung para el proyecto Paper Mask: una animación pionera que utiliza los plegamientos del papel de manera dinámica, todo animado manualmente en stop-motion sin ningún compromiso digital. El protagonista es un gato intrépido que viaja a través de un mundo de papel en ruinas para encontrar el perro que podría salvar su futuro. ¡Hasta la fecha tenemos un avance del proyecto en la página web del estudio, con una increíble demostración de habilidad de los animadores!

A través de las décadas Misseri Studio sigo experimentando, buscando siempre la respuesta a la pregunta “¿Podría animar con este elemento?” y alcanzando nuevas metas cada vez. ¡Qué estudio admirable, hizo la historia de la animación italiana y sigue llevando su arte al mundo!

The Sardegna Film Commission short films - Fifth: sustainability, climate change and quality of life

In the miniseries of analysis of Sardinia Film Commission animated short films we talked about the themes of “history, archaeology and legends of Sardinia”, “flora and fauna”, “distinguished Sardinian characters” and “anthropology, tradition and art”: the last chapter tackles the theme of “sustainability, climate change and quality of life” represented by “La Rondine”.

Theme: sustainability, climate change and quality of life

A group of children save and take care of a swallow that can’t fly with the help of the elder Aunt Igia. The short film will be produced by Claudio Marceddu’s Il Circolo della Confusione, directed and written by Eleonora Gambula and Daniele Arca, animated by Eleonora Gambula with the analogic rotoscope technique, with the voices of Cristina Maccioni, Amelia Daisy Melis, Marvin Sackey and Leonardo Grassellini. Luca Gambula will take care of the music and Tiziana Furcas will be the Sardinian language referent.

The animation technique of this short film will be the rotoscope. Created and patented by the Fleischer brothers in 1917, the rotoscope technique originally consisted in filming an actor in action and then using the frames as direct reference for the animation, tracing the main movements. This is possible by projecting the frame on a glass sheet, then an animator outlines the human figure with tracing paper sheets. Many of Fleischer studios’ works were created with this technique: Koko the Clown, Bimbo the Dog and Betty Boop, among others. It was used especially with the movements of famous dancers and singers of the time such as Cab Calloway.

Disney used the rotoscope as well for its first long feature animated film in 1937, Snow White and the Seven Dwarfs, but in a looser way: this means that the first time you trace the movements with precision; in the next step you draw over the first sheets more synthetically in order to get the essential but more free movement; and finally an animator applies the principles of animation on the second batch of sheets in order to create the final sequence. In the case of this film, rotoscope was used to different degrees according to the level of difficulty of the scene when they needed a reference, and it was not a really corresponding tracing of the original filming, because the animators sometimes changed the pacing of the actions and the character’s expressions. 

Another more modern example of rotoscoping closer to Fleischer’s original technique is the iconic music video of Take On Me by a-ha, in which the drawings are not as polished and look like pencil drawings as a stylistic decision.

Eleonora Gambula studied drawing and illustration, then stop-motion animation, which soon fascinated her with its artisanal nature. In 2008 she gained a scholarship for the IED (Istituto Europeo di Design) in Milan. After a few years working in Milan, two years ago she took a break and returned to Sardinia because she missed her home, then she went back to Milan, where she currently lives. Among her works Eleonora was commissioned by RAI for the opening titles of the fiction Romanzo Familiare, with the rotoscope technique, and the commercials for Diadora and the 50th anniversary of Kartell, both with the stop-motion technique. 

In an interview in the radio program Captivity of July 2020, Eleonora told how she got the inspiration for the short film “La Rondine”: one day of December she saw a disoriented flock of swallows, and this was the beginning of the script for the short movie. After winning the tender by Sardegna Film Commission, she decided to set the story in the industrial area of Portovesme or Sarroch, because it is a landscape full of contrasts, on the line between nature and industrialization. The intent is to write a short film for everyone, kids and adults, showing how industrialization influenced the ecosystem.

Daniele Arca worked on two documentaries in 2019: in Jukebox al Carbone he took care of directing and editing, while in Bar Seui he did editing and photography. The first is a musical/social documentary that tackles the young revolution of the 60s during the economic boom period due the new industrial hub of Carbonia. The second tells the story of inner migration of Armando, that during the second postwar period had to move from Seui to go to Cagliari and try to improve his life. 

Luca Gambula is a sound engineer and music producer, he collaborated with the artists Dainocova and Takoma and worked for the film Jukebox al Carbone by Daniele Arca, creating its soundtrack. Here you can listen to one of his compositions:

Cristina Maccioli is a theatre actress and as writer and editor realizes radio programs in Sardinian. She debuted in theatre in 1972, then in 1975 as associate of the Cooperative Teatro di Sardegna she participated in the show Su Connottu by Romano Ruju, Francesco Masala, Gianfranco Mazzoni and since then is present in many productions of the establishment known with different names, currently it’s Sardegna Teatro, based in the Teatro Massimo di Cagliari. You can hear her voice in the trailer of the short film in the role of Aunt Igia.

So we finished the miniseries of Sardegna Film Commission short films! This little project is what led me to write articles for the blog more regularly, I am very glad it is appreciated, thank you readers! In a very near future I will talk once again about Italian animation, in particular a work by Nuova Animazione Sardegna, stay tuned!

S'arrùndini (La rondine) Trailer from Eleonora Gambula on Vimeo.