De la gaviota a Garibaldi: la historia de Lanterna Magica

Una de las películas animadas más conocidas y apreciadas de la fin de siglo es La gabbianella e il gatto (Historia de una gaviota), parte de la memoria colectiva de muchos niños italiano de los años 90. Aquí vamos a conocer la interesante historia de su estudio de animación, Lanterna Magica.

Creado en 1983 por Maria Fares y Roberto Baratta, inicialmente era un laboratorio creativo patrocinado por el Asesorado para la Educación de la Municipalidad de Torino. En sus primeros años de actividad, por un lado creaba con los niños de escuelas primarias y secundarias algunos dibujos animados, y por otro realizaba cortometrajes y comerciales de genero social (alcohol, humo, polución y otros) para sociedades y entes. Además, el laboratorio operaba como centro de cultura audiovisual, con cursos de alfabetización y especialización de las técnicas audiovisuales para maestros, operadores culturales y ciudadanos.

En 1992, el estudio decidió intentar la producción de su primero largometraje animado, La freccia azzurra, basado en el cuento homónimo de Gianni Rodari del 1964. La película fue dirigida por el artista Enzo d’Alò, personaje muy importante para la historia del estudio, y presentaba un equipo de  actores de doblaje celebres como Dario Fo y Lella Costa. La producción fue compleja y una verdadera inversión, que pagó muy bien cuando salió en los cines en 1996, con gran éxito por la critica y por la audiencia, llegando ganar cuatro diferentes premios cinematográficos: David di Donatello 1997 (mejor músico a Paolo Conte), Nastro d’Argento 1997 (mejor banda de sonido a Paolo Conte), premio especial para película de animación producida en Italia, Bellaria Film Festival 1997 (Premio Casa Rossa por mejor contribución técnica) y una candidatura al Festival Internacional de películas de animación de Annecy 1997 como mejor largometraje. Durante la producción de La freccia azzurra, el estudio trabajó también en producciones televisivas como el largometraje Kamillo Kromo (1993) y la serie La Pimpa – Le nuove avventure (1997).

 

Avance de la versión restaurada (2020) de La Freccia Azzurra (1996)

 

En 1998, La gabbianella e il gatto salió en el cine con un increíble éxito, llegando ser la película más popular y exitosa de Enzo D’Alò y en general la película de animación italiana con el mayor éxito comercial. Basada en la novela del 1996 “Historia de una gaviota y del gato que le enseñó a volar” por el autor chileno Luis Sepúlveda, la película fue prueba del increíble potencial del estudio que parecía tener un futuro de expansión. Entre otras producciones para la televisión, en 1999 Lanterna Magica trabajó sobre los títulos de abertura de la transmisión para niños Melevisione.

 

En aquel año, Maria Fares y Enzo D’Aló (ella era administrador único, él era director de películas), invirtieron mucho en proyectos, herramientas y trabajadores para expandir la empresa. Tenían el objetivo de producir un largometraje cada año y una serie de televisión cada dos años, respectando los encargos. Las producciones en corso eran los largometrajes Momo, Tempesta, Aida (degli alberi), la serie para televisión Sopra i tetti di Venezia y el piloto de Pinocchio. A final del año, Lanterna Magica es próxima a un negocio con importantes empresas del sector que le hubiera permitido ganar más autonomía creativa y la gestión de todos los derechos de sus producciones y productos colaterales.

El nuevo milenio empezó con un año complicado. Gracias a un comunicado sindical de aquel periodo, tenemos una linea temporal de los eventos que llevaron a la quiebra de Lanterna Magica como empresa. Esta no es la fin del estudio, pero es un momento de transición muy importante que definí su futuro. En enero de 2000, Enzo D’Alò empezó realizar algo sobre lo que quería hacer de su arte. Insistía en que la empresa tiene que seguir ser exclusivamente productora ejecutiva. El comunicado declara esto:

Seguramente D’Alò, no logra realizar una síntesis entre su ser director y en el mismo tiempo productor y tiene miedo de no poder más “controlar” una empresa en rápido desarrollo.

 

Estos pensamientos de D’Alò resultaron en pérdidas de oportunidades y retrasos en la producción de Momo y Pinocchio. Problemas similares se manifestaron con Sopra i tetti di Venezia, pero gracias a la disponibilidad de los otros directores de la serie, el estudio mantuvo el contrato con France Animation hasta el mes de agosto, cuando la empresa francesa, preocupada por las repercusiones del conflicto interno entre D’Alò y los trabajadores de Lanterna Magica, rescindió el contrato. Después de meses de tentativas de mediación por los trabajadores y constantes rechazos de negociación por D’Alò, el 20 de junio de 2000 él supuso el fracaso de la empresa con un testigo al Tribunal de Quiebras de Torino. Esto signífica que él declaró que su empresa podría fracasar muy pronto, a pesar de los esfuerzos de Maria Fares. Debido a la situación oficial de antes-quiebra, la empresa no podía pagar sus deudas con las sociedades que colaboraban con ella para Momo y Sopra i tetti di Venezia, llegando a la ya mencionada conclusión del contrato por France Animation.

Finalmente, Lanterna Magica quebró alrededor de la fin del año, sin embargo la empresa productora cinematográfica Medusa la adquirió en diciembre de 2000, permitiendo la conclusión de los proyectos en curso y contratando a casi todos los trabajadores. Dos años después, Maria Fares logró adquirir la empresa de Medusa, que mantuvo solamente el papel de distribuidora de películas. De esta manera, Lanterna Magica siguió produciendo películas y series de televisión por muchos años.

 

Comercial de la VHS de Aida degli alberi y su mercancía de Kinder & Ferrero (2003)

 

Aida degli alberi salió en los cines en 2001. La obra, inspirada por la ópera de Giuseppe Verdi, fue menos exitosa que la película de la gaviota, pero aún así muy apreciada. En el mismo año, Sopra i tetti di Venezia completó su producción y debutó en las televisiones europeas entre las cuales Rai 2 en 2003, mientras que el largometraje Totò Sapore e la magica storia della pizza salió en los cines. Aida y Totò tuvieron mercancía en colaboración con Kinder & Ferrero. El periodo dorado de los juguetes Kinder & Ferrero es un fenómeno que merece un artículo separado.

 

Avance de Totò Sapore (2003)

En los años siguientes trabajaron en series de televisión como Gino il pollo (2006) y Matt & Manson (2008, coproducción francés). En 2009, una nueva coproducción con la Francia resulta en la película Nat e il segreto di Eleonora. El año siguiente, Maria Fares decidió de cerrar la sede histórica de Lanterna Magica en Via Cesare Battisti n.15 de Torino, con le plan de arrendar periódicamente espacios más convenientes a los tiempos y necesidades de las producciones. El traslado llegó a la redacción del inventario del archivo de los documentos de producción. El inventario es disponible por la red en el sitio del Archivo de Estado de Torino. En 2011 Lanterna Magica produjo el largometraje por la televisión dedicado a las celebraciones para el 150 aniversario de la unidad de Italia: Il generale e i fratellini d’Italia.

Hoy en día, Lanterna Magica sigue trabajando en colaboración con otras empresas. El sitio web del estudio era disponible hasta el otoño de 2024, es posible que cambiaron dominio o simplemente non querían mantenerlo. De todas maneras, el sitio fue archivado en la Wayback Machine y se puede todavía visitar.

Lupin III Parte 6 - Llega el doblaje italiano

¡La sexta serie de Lupin III finalmente llega a las televisiones italianas! Lupin III Part 6 se estrenó en Japón por primera vez en octubre de 2021 por la emisora NTV, y luego fue doblada en inglés, transmitida en el bloque de programación estadounidense Toonami en abril de 2022 y disponible contemporáneamente en la plataforma de streaming HIDIVE. En relación con el mercado italiano Yamato Video, que usualmente se ocupa del doblaje de las películas y la distribución de las ediciones home video, trabajó en los subtítulos italianos oficiales para el estreno en simulcast para la plataforma de streaming Amazon Prime Video. De esta manera, los espectadores italianos pudieron ver la serie contemporáneamente al estreno japonés. Después de un año, la compañía televisiva Mediaset (aquí hablamos brevemente de su historia y colaboración con otras emisoras europeas) anunció el estreno de la nueva serie a partir del 12 de octubre. La serie, presentada con el título “Lupin III - Una storia senza fine” (Lupin III - Una historia sin fin), se estrenará cada miércoles por la noche en grupos de cinco capítulos cada vez, cubriendo 24 capítulos dentro de algo más de un mes. Con la difusión del video promocional de la serie, los aficionados se dieron cuenta de un detalle todavía no mencionado: los actores de doblaje fueron casi todos reemplazados.

Video promocional para el estreno en la emisora Italia 2

Cuando una franquicia es tan longeva el cambio de actores durante las décadas es un hecho común, pero usualmente se trata de una decisión debatida entre los interesados, y se intenta mantener una continuidad vocal lo más posible. Las razones más frecuentes son la jubilación o la muerte del actor. En esta ocasión, la razón más probable es que elegir un equipo de actores de doblaje basado en la zona del Milán sea más conveniente logísticamente para Mediaset que seguir trabajando con el equipo basado en Roma (como en vez prefiere Yamato Video). 

Video promocional de la edición italiana de "Lupin III-The First"

Para celebrar esta nueva fase de la historia de Lupin en Italia, recordamos los actores que doblaron la banda durante las series anteriores.

Lupin III

Roberto del Giudice (1979-2007)

• Parte 1 (primero y segundo doblaje), Parte 2, Parte 3
• Especiales para la televisión a partir del primero (Bye Bye Lady Liberty) hasta el 15° (Angel Tactics)
• Películas a partir de la primera (El misterio de Mamo) hasta el quinto (Dead or Alive) + la película OVA (La conspiración de Fuma) 

Stefano Onofri (2008-2021)

• La mujer llamada Mina Fujiko, segundo doblaje de Parte 3 (2021), Parte 4 y Parte 5
• debutó como Lupin en el especial para tv “Seven Days Rhapsody” en 2008 bajo elección de Roberto del Giudice antes de su muerte, sigo doblando los especiales hasta el 27° especial (Prison of the past)
• Películas a partir de “Lupin The Third vs Detective Conan” hasta “Lupin III-The First”

Luigi Rosa (2022)

• Parte 6
• Segundo doblaje para la versión home video de “Il castillo de Cagliostro” (1992)

Jigen Daisuke

Germano Longo (1979)

• Primero doblaje de Parte 1

Sandro Pellegrino (1979-2012)

• Segundo doblaje de Parte 1 (1987), Parte 2 y Parte 3
• Versión televisiva de la primera película (El misterio de Mamo, 1979), películas a partir de la tercera (El oro de Babilonia) hasta la quinta (Dead or Alive)
• Especiales para la televisión a partir del primero hasta el 15° + la película OVA (La conspiración de Fuma)

Alessandro Maria D’Errico (2014-presente)

• La mujer llamada Mina Fujiko, segundo doblaje de Parte 3 (2021), Parte 4, Parte 5 y Parte 6
• Especiales para televisión a partir del 22° (Lupin III: Blood seal - Eternal Mermaid)
• Películas a partir de “Lupin The Third vs Detective Conan” hasta “Lupin III-The First”

Goemon Ishikawa

Enzo Consoli (1979)

• Primero doblaje de Parte 1

Vittorio Guerrieri (1987)

• Segundo doblaje de Parte 1 (1987), Parte 3, segundo doblaje de Parte 3 (2021)
• Versión televisiva de la primera película (El misterio de Mamo, 1979) y tercera (El oro de Babilonia)

Massimo Rossi (1982)

• Parte 2

Antonio Palumbo (1996-2021)

• La mujer llamada Mina Fujiko, Parte 4, Parte 5
• Especiales para televisión a partir del primero (Bye Bye Lady Liberty) hasta el 27º (Prison of the Past)
• Películas a partir de “Despedida a Nostradamus” hasta “Lupin III-The First” + la película OVA (La conspiración de Fuma)

Patrizio Prata (2022)

• Parte 6

Fujiko Mine

Piera Vidale (1979-1982)

• Primero doblaje de Parte 1, Parte 2
• Edición para el cine de “El misterio de Mamo” (1979)

Alessandra Korompay (1987-2021)

• Segundo doblaje de Parte 1 (1987), Parte 3, segundo doblaje de Parte 3 (2021), Parte 4 y Parte 5
• La mujer llamada Mina Fujiko
• Especiales para televisión a partir del primero (Bye Bye Lady Liberty) hasta el 27º (Prison of the Past)
• Películas a partir de la versión televisiva de la primera película (El misterio de Mamo, 1987) hasta “Lupin III-The First” + la película OVA (La conspiración de Fuma)

Emanuela Pacotto (2022)

• Parte 6

Koichi Zenigata

Enzo Consoli (1979-1992)

• Primero (1979) y segundo doblaje de Parte 1 (1987), Parte 3
• Versión televisiva de la primera película (El misterio de Mamo) y tercera película (El oro de Babilonia) + la película OVA (La conspiración de Fuma)
• Primero especial para televisión (Bye Bye Lady Liberty) y versión home video de “Tokyo Crisis” (2002)
• Se mantuvieron sus grabaciones para el segundo doblaje de Parte 3 (2021), que tuvo lugar después de su muerte en 2007

Marcello Prando (1982)

• Parte 2

Rodolfo Baldini (años 90)

• Especiales para la televisión 2 (Los documentos de Hemingway), 3 (Napoleon's Dictionary)  y 4 (Desde Rusia con amor)

Rodolfo Bianchi (1996-2021)

• La mujer llamada Mina Fujiko, Parte 4, Parte 5
• Especiales de televisión a partir del quinto (Viaje al Peligro) hasta el 27º (Prison of the Past)
• Películas a partir de “Despedida a Nostradamus” hasta “Lupin III-The First”

Mario Zucca (2022)

• Parte 6

Video promocional de Lupin III Parte 6 con Luigi Rosa

Después de dos miércoles de estreno, hay interesantes consideraciones sobre el enfoque italiano de la serie. En primer lugar, la transmisión de cinco capítulos a la vez cada miércoles por la noche en horario central parecía inicialmente rara, como si fuese una manera de completar el estreno lo más rápidamente posible, pero ahora todo está más claro. El miércoles por la noche ha sido desde hace mucho tiempo la franja horaria dedicada a las películas y los especiales de televisión de Lupin: probablemente el grupo de cinco capítulos tiene la finalidad de mantener la usual programación semanal. Además, el orden de los capítulos ha sido ligeramente modificado, moviendo los capítulos autoconclusivos: así los seis capítulos que cubren el arco narrativo “Lupin III vs Sherlock Holmes” se estrenaron sin interrupciones por las historias individuales, replicando la sensación de ver una película (cinco capítulos más el final del arco la semana después). Esto demuestra una interesante estrategia de estreno concebida para un buen disfrute de la serie por los espectadores.

Con respecto a la traducción y adaptación, hasta la fecha parece que los diálogos se mantuvieron fieles a la versión original, a diferencia de la serie antecedente, donde se “suavizaron” diálogos relativos a muerte y asesinos, se cambió parte de la historia de un personaje (secuestrada por un rescate, cuando en realidad la pobrecita estaba explotada para imágenes pornográficas) y se eliminaron las menciones de la homosexualidad de uno de los personajes de apoyo. 

Por fin, el nuevo reparto de actores de doblaje propone una interpretación convincente de los personajes, contribuyendo enormemente a la agradable experiencia de visión. Personalmente no sería una idea tan mala si el reparto nuevo siguiera doblando las posibles series futuras y el reparto “clásico” siguiera doblando la películas para Yamato Video. En todo caso, vamos a ver pronto que se decidirá con respecto a la película Lupin III VS Cat’s Eye que se estrenará en 2023 en Amazon Prime Video. ¡Hasta entonces, espero con entusiasmo el próximo miércoles para la continuación de la serie!

Misseri Studio: campeón de la animación stop-motion italiana

En pasado, tratando uno de los cortometrajes de Sardegna Film Commission hablamos del estudio de animación italiano Misseri Studio, conocido principalmente por su producciones en animación en volumen. Hoy intentaré hacer un recorrido a partir de los orígenes a finales de los años 50 hasta su proyectos corrientes.

Muñeca de Susanna
(fuente: mondocarosello)

Antes de Misseri Studio, en 1957 Francesco Misseri fundó el Studio K, que trabajó en muchas producciones comerciales para el contenedor de entretenimiento televisivo Carosello, creando diferentes personajes, entre ellos Susanna Tuttapanna, Olivella e Mariarosa, Dolce cara mammina. Studio K produció animaciones para Carosello de 1961 a 1976. Junto con Renzo Tarchi, Pier Francesco Tamburini y Marino Marchi en principio se dedicó a la animación por qué no era tan práctico trabajar en las filmaciones en Florencia como lo era en Roma o Milán, y los dibujos animados eran una alternativa que pronto conquistó a los espectadores. 

Susanna Tuttapanna es uno de los personajes más memorables de esta época: una niña cariñosa animada en 2D para promover los productos lácteos Invernizzi. Susanna era tan popular que existían juguetes y memorabilia en su imagen, y hoy en día sigue siendo apreciada por los aficionados de iconos vintage.

Calcetines de Susanna
(fuente: mondocarosello)

Con respecto a la animación en volumen, Studio K en 1968 empezó a crear animaciones de objetos reales en Florencia para Fernet Branca. Luego, hicieron una sola serie de animaciónes con la plastilina para dejar a su ex empleados Rodolfo Marcenaro y Paolo Villani el tiempo de organizarse para producirlas ellos mismos en Milán en el estudio Tipofilm. Aproximadamente la mitad de las animaciones eran obra de la animadora Fusako Yusaki, la otra parte fue hecha por el escultor y animador Massimiliano Squillace. 

Antes de fundar Misseri Studio en 1974, Francesco Misseri trabajó en la serie Mio Mao en el estudio PMBB del que fue socio fundador. La serie es protagonizada por dos gatitos curiosos que descubren criaturas diferentes cada episodio. Con la técnica de animación en volumen de plastilina (claymation), se produjeron 26 episodios de 5 minutos cada uno. Una de las características más memorables de la serie es el uso de sonidos y onomatopeyas en lugar de diálogo verbal: eso hace que la serie sea comprensible más allá de las barreras lingüísticas. Además, la falta de diálogo amplifica la expresividad de los personajes. Piero Barbetti se ocupó de componer el tema musical de las aventuras de los gatitos. Luego, después de recuperar los derechos de distribución en 2000 y remasterizar la primera temporada,  Misseri Studio produjo en colaboración con el canal británico Channel Five dos nuevas temporadas de 26 episodios cada una, entre 2005 y 2007, en los mismos estudios de Florencia donde se creó la primera.

Mio Mao no fue la única serie con estas características: Quaqquao era animado con hojas de papel plegado como en el arte del origami; A.E.I.O.U. animaba la arena acompañada por música de orquesta; The Red and the Blue utilizaba plastilina; ¡y finalmente en Pozzie se pudo animar con gotas de agua! Todas tienen en común el uso de la música como parte fundamental de la narración, en combinación con su lenguaje no verbal y las escenas coloridas y llenas de imaginación.

Casi todas estas fueron producciones del estudio, pero Pozzie es un caso especial: una co-producción con la emisora de televisión japonés NHK, un experimento único. Gracias a una técnica innovadora, los animadores llegaron a dar forma a gotas de agua de hecho moviéndolas y modelándolas, como si fueran plastilina, sobre de una hoja de vidrio. El uso de colorante permite también crear formas interesantes con las cuales interactúa el protagonista. Pozzie es una gota de agua viviente, curiosa y feliz como un niño, que descubre y juega con objetos de agua, cambiando forma a menudo. La serie cuenta con 13 episodios que duran 1,5 minutos.

Otra colaboración importante de Misseri Studio fue con Sesame Workshop: se produjeron muchos segmentos animados para la serie Sesame Street, utilizando principalmente la plastilina y ocasionalmente papel y arena. Su producción principal es la serie Bert and Ernie’s Great Adventures, segmentos de Sesame Street donde Bert y Ernie usan su imaginación para visitar lugares particulares y vivir aventuras. La serie, producida de 2008 a 2017 con animación stop-motion de plastilina (claymation), es presentada al mercado internacional como dos temporadas de 26 episodios cada una de 5 minutos, separados de los capítulos de Sesame Street de origen. 

Los experimentos de Misseri Studio no terminan aquí: en 2013 se estrenó la serie animada Mofy, basada en los personajes de los libros ilustrados de la autora japonés Aki Kondo. Las aventuras de la conejita Mofy y sus suaves amigos son animadas manipulando el algodón con una técnica innovadora. La serie es una coproducción entre Misseri Studio, Sony Creative Products, Rai Fiction y ZDF, que involucra a Italia, Japón y Alemania. Las tres temporadas cuentan con un total de 78 episodios de 5 minutos cada uno, y tienen la finalidad de ayudar el crecimiento emocional y relacional de los niños, que se pueden identificar en Mofy. 

Imagen promocional de Paper Mask
(fuente: misseristudio.com)

Finalmente, los animadores de Misseri Studio están trabajando en colaboración con la compañía china UYoung para el proyecto Paper Mask: una animación pionera que utiliza los plegamientos del papel de manera dinámica, todo animado manualmente en stop-motion sin ningún compromiso digital. El protagonista es un gato intrépido que viaja a través de un mundo de papel en ruinas para encontrar el perro que podría salvar su futuro. ¡Hasta la fecha tenemos un avance del proyecto en la página web del estudio, con una increíble demostración de habilidad de los animadores!

A través de las décadas Misseri Studio sigo experimentando, buscando siempre la respuesta a la pregunta “¿Podría animar con este elemento?” y alcanzando nuevas metas cada vez. ¡Qué estudio admirable, hizo la historia de la animación italiana y sigue llevando su arte al mundo!

El cartoon encuentra el terror: I conigli rosa uccidono (Dylan Dog)

Eddie Valiant y Roger Rabbit

Los dibujos animados de género cómico son bien conocidos por su propias leyes físicas que permiten a los personajes de cumplir acciones cómicamente exageradas sin tener heridas importantes: este concepto se llama comedia slapstick. Los ejemplos más célebres de slapstick se pueden encontrar en los cortometrajes de Looney Toons, Tom & Jerry y Popeye el marino.

¡Y esta es solo una parte de los cameos!

¿Qué pasaría si los personajes de dibujos animados coexisten con los humanos? En 1988 la película ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, dirigida por Robert Zemeckis y protagonizadas por Bob Hoskins, Christopher Lloyd y Charles Fleischer, propone un mundo donde humanos y toons conviven: ellos actúan en sus cortometrajes de cine como los actores humanos, pero siguen igual las leyes del slapstick. Esta increíble película de culto de finales de los años 80 fue creada con una técnica mixta: se grabaron las escenas de acción real, luego los animadores añadían los toons, creando las interacciones entre los dos en pantalla. La película está llena de cameos de personajes celebérrimos, y una de las pocas ocasiones en que los mayores personajes Disney y Warner Bros se encuentran. 

Portada de Dylan Dog n.24

Algunos meses después en el mismo año, en Italia se dio otra respuesta a la pregunta desde una angulación terrorífica: Dylan Dog (hablamos del cómic en pasado) propone en los quioscos el número 24 titulado I conigli rosa uccidono (Los conejos rosa matan), escrito por Luigi Mignacco con los dibujos de Luigi Piccatto y Cesare Valeri. La criatura protagonista es el celebérrimo conejo animado Pink Rabbit, homenaje y parodia de los Looney Toons y los principios del slapstick. Pink Rabbit es presentado como personaje de ficción en el mundo de Dylan Dog, producido por el estudio Sandy Sidney (evidente parodia de Disney). Increíblemente, Pink Rabbit llega al mundo real, e intenta jugar con sus nuevos “amigos de carne” de la misma manera de su país de origen: ¡violentos chistes slapstick! Desafortunadamente los humanos no siguen las mismas leyes físicas de los toons, por eso podéis imaginar los resultados brutales y splatter de sus juegos, y sus perplejidades: ¿por qué sus nuevos amigos no se recuperan, son frágiles?

Pink Rabbit acabó de jugar
con su animador Frank

Cuando la esposa de uno de los animadores principales encarga a Dylan el caso de su asesinato (el marido solía tener pesadillas sobre Pink Rabbit y recientemente le vio en el mundo real), una serie de eventos lleva Dylan al mundo animado de Pink Rabbit. Sin embargo, como en muchas otras historias memorables del personaje, la narración nos ofrece dos explicaciones, una sobrenatural y una más terrenal, ¡y una no excluye la otra! Pink Rabbit existía realmente o era la máscara utilizada por su creador para cumplir asesinatos? En un increíble golpe de efecto, ambas son la verdad, cuando Groucho revela a Dylan de haber visto su pelea contra Pink Rabbit en televisión. La existencia del mundo de los toons se trata posteriormente en el número 107, Il paese delle ombre colorate (El país de las sombras coloridas) del 1995. Aquí se explora el mundo animado de Jumpo (el verdadero nombre de Pink Rabbit) y se comprende que en realidad el conejo no es tan malo, simplemente no comprende el mundo de las personas de carne.

Portada de Dylan Dog n.107

Jumpo tuvo dos otras historias dedicadas a él, en dos títulos secundarios de Dylan Dog: en 2009 es protagonista de I conigli rosa colpiscono ancora (Los conejos rosa golpean otra vez) en el anual Almanacco della Paura y en 2018 de I conigli rosa muoiono (Los conejos rosa mueren) en el título trimestral Color Fest dedicado a historias en color. La tetralogía escrita por Luigi Mignacco nos regaló uno de los personajes más interesantes y memorables de la serie, y uno de mis favoritos que espero ver aparecer en otras historias en futuro. 

Cartoon Digital 2021: sigue la colaboración con Nuova Animazione Sardegna

Precedentemente hablamos del máster de animación Cartoon Digital 2019, que tuvo lugar en Cagliari, en el contexto de Nuova Animazione Sardegna. Después de faltar la cita el año pasado debido a la situación pandémica, la edición 2021 del máster tuvo lugar completamente en la red del 26 al 28 de mayo. Durante el primer día tuvo lugar una maratón de pitching y presentación de proyectos de los talentos sardos en colaboración con Rai Ragazzi y la asociación nacional de productores de animación Cartoon Italia. Además, la directora artística del evento de pitching Cartoon Springboard, Agnès Bizzaro, ha presentado la sesión “Coaching Programme for local young talents and students” con el objetivo de explicar cómo perfeccionar las técnicas de presentación de ideas para el mercado internacional. La sesión estuvo dedicada a la formación de los jóvenes animadores de Nuova Animazione Sardegna que completaron el curso de animación 2D. 

Entre los invitados a esta edición 2021 están:

• Orion Ross & Shamik Majumdar (The Walt Disney Company EMEA - UK)
• Lara Oliveti (Melazeta – IT)
• Hélène Juguet (Ubisoft – FR)
• Cristiana Buzzelli (Rainbow – IT)
• Olivier Dumont (Entertainment One – UK)
• Adina Pitt (Turner, a WarnerMedia Company – USA)
• Audrey Brugère (CANAL+ – FR)
• Carl Reed (Lion Forge Animation – USA)
• Christopher Keenan (Mattel TV – USA)
• Pietro Pinetti (Studio Bozzetto – IT)

En ocasión de la nueva edición, Sardegna Film Commission decidió celebrar el evento compartiendo partes de las sesiones de 2019 en su canal Youtube, permitiendo a todos ver contribuciones muy interesantes de profesionales de la industria como Igort, Sandro Cleuzo y Marino Guarnieri. Actualmente los vídeos son en italiano, salvo por el de Sandro Cleuzo que es en inglés, sin embargo están llenos de demostraciones visuales del proceso creativo y así se puede todavía comprender parcialmente. En la cuenta Vimeo del Cartoon Digital están disponibles partes de contribuciones del año en curso, como por ejemplo Nevina Satta (Jefe de Sardegna Film Commission) que explica brevemente que es Nuova Animazione Sardegna.

¡Deseo mucha suerte y mucho éxito a todos los participantes en la sesión de pitching, espero enterarme de cosas muy buenas con respecto a ellos!

Cartoon Digital - Nevina Satta - What is NAS? from CARTOON on Vimeo.

Los cortometrajes de Sardegna Film Commission - Quinto: sostenibilidad, cambio climático y calidad de vida

En la miniserie de análisis de los cortometrajes animados de Sardinia Film Commission tratamos los temas de “historia, arqueología y leyendas de la Cerdeña”, “flora y fauna”, “personajes ilustres sardos” y “antropología, tradición y arte”: el último capítulo trata el tema de “sostenibilidad, cambio climático y calidad de vida” representado por “La Rondine”.

Tema: sostenibilidad, cambio climático y calidad de vida

Un grupo de niños salvan y cuidan una golondrina que ya no puede volar con la ayuda de la anciana Tía Igia.  El cortometraje será producido por Il Circolo della Confusione de Claudio Marceddu, dirigido y escrito por Eleonora Gambula y Daniele Arca, animado por Eleonora Gambula con la técnica del rotoscopio analógico, con las voces de Cristina Maccioni, Amelia Daisy Melis, Marvin Sackey y Leonardo Grassellini. Las músicas serán de Luca Gambula y Tiziana Furcas será la referente de idioma sardo. 

La técnica de animación de este cortometraje será el rotoscopio. Creada y patentada por los hermanos Fleischer en 1917, la técnica del rotoscopio originariamente consistía en grabar un actor en acción y luego usar los fotogramas como directa referencia para la animación, delineando los movimientos principales. Eso era posible proyectando el fotograma sobre una lámina de vidrio, luego un animador calcaba la figura humana con hojas de papel de calco. Muchos de los trabajos del estudio Fleischer se crearon con esta técnica: Koko the Clown, Bimbo the Dog y Betty Boop, entre otros. Se utilizó especialmente con los movimientos de bailarines y cantantes célebres de la época como Cab Calloway.

Disney utilizó el rotoscopio también para su primer largometraje animado en 1937, Snow White and the Seven Dwarfs, pero de manera más suelta: es decir, se calcaba los movimiento con precisión la primera vez; en el próximo paso se dibuja sobre las primeras hojas más sintéticamente para obtener el movimiento esencial pero más libre; y por fin un animador aplica los principios de animación sobre las segundas hojas para crear la secuencia definitiva. En el caso de este película, el rotoscopio se utilizó con diferente intensidad según el nivel de dificultad de la escena cuando de necesitaba una referencia, y no se trataba de un calco muy coincidente con la grabación original, por que los animadores cambiaban tal vez el ritmo de las acciones y las expresiones del personaje. 

Otro ejemplo más moderno de rotoscopio más cercano a la técnica original de Fleischer es el icónico video musical de Take On Me por a-ha, en el que los dibujos no son tan limpios y tienen apariencia de dibujo a lápiz como decisión estilística.

Eleonora Gambula estudió dibujo e ilustración, luego la animación stop-motion, que pronto la cautivó con su naturaleza muy artesanal. En 2008 ella obtuvo una beca en la IED (Istituto Europeo di Design) de Milán. Después de algunos años de trabajo en Milán, hace dos años tomó un descanso y regresó a Cerdeña porque echaba de menos su hogar, luego fue otra vez a Milán, donde habita actualmente. Entre sus trabajos Eleonora fue comisionada por RAI para los títulos de apertura de la ficción Romanzo Familiare, con la técnica del rotoscopio, y los comerciales para Diadora y el cincuentenario de Kartell, ambos con la técnica del stop-motion.

En una entrevista en el programa radio Captivity de julio 2020, Eleonora contó cómo tuvo la inspiración para el cortometraje “La Rondine”: en un día de diciembre ella vio una bandada de golondrinas desorientados, y este fue el principio del sujeto del cortometraje. Después de ganar el bando de Sardegna Film Commission, ella decidió ubicar el cuento en la zona industrial de Portovesme o de Sarroch, porque se trata de un paisaje lleno de contrastes, al borde entre naturaleza e industrialización. La intención es de escribir un cortometraje para todos, niños y adultos, mostrando cómo la industrialización ha afectado el ecosistema.

Daniele Arca trabajó en dos documentales en 2019: en Jukebox al Carbone se ocupó de dirección y edición, mientras que en Bar Seui cuidó edición y fotografía. El primero es un documental musical/social que trata de la revolución joven de los años 60 durante el periodo del boom económico debido al recién nacido centro industrial de Carbonia. El segundo trata la historia de la migración interna de Armando, que en la segunda posguerra tuvo que moverse de Seui para ir a Cagliari e intentar mejorar su vida. 

Luca Gambula es un ingeniero de sonido y productor musical, colaboró con los artistas Dainocova y Takoma y trabajó para la película Jukebox al Carbone de Daniele Arca, creando su banda sonora. Aquí podéis escuchar una de las composiciones:

Cristina Maccioli es actriz de teatro y realiza como autora y editora programas de radio en idioma sardo. Debutó en teatro en 1972, luego en 1975 como asociada de la Cooperativa Teatro di Sardegna partecipa al espectáculo Su Connottu de Romano Ruju, Francesco Masala, Gianfranco Mazzoni y desde entonces es presente en muchas producciones del establecimiento conocido con diferentes nombres, actualmente es Sardegna Teatro, con sede en el Teatro Massimo di Cagliari. Se puede escuchar su voz en el avance del cortometraje en el papel de Tía Igia.

¡Así terminamos la miniserie de cortometrajes de Sardegna Film Commission! Este pequeño proyecto es lo que me llevó a escribir más regularmente artículos para el blog, estoy muy contenta que está apreciado, ¡gracias lectores! En un futuro muy próximo hablaré otra vez de animación italiana, en particular un trabajo de Nuova Animazione Sardegna, ¡hasta luego!

S'arrùndini (La rondine) Trailer from Eleonora Gambula on Vimeo.

Infinity Train - Un tren lleno de creatividad y misterio

Recientemente una serie animada americana ha tenido un gran pico de popularidad en la red entre los aficionados de animación y los espectadores casuales, especialmente en Twitter y YouTube. Este dibujo animado muy particular se llama Infinity Train.

Se trata de una serie de antología desarrollada basándose en un episodio piloto estrenado en 2016 entre los cortometrajes de las nuevas propuestas de Cartoon Network. El episodio piloto cautivó a la audiencia, formando pronto un gran séquito de aficionados que crearon fanart y teorías sobre la historia que se podía desarrollar desde la premisa del piloto.

El cortometraje es protagonizado por Tulip Olsen, joven adolescente de Minnesota, que se encuentra a pesar suyo en un tren misterioso. Sus vagones, que parecen infinitos, contienen cada uno un pequeño mundo con un tema particular, y para encontrar la puerta a menudo se debe pasar una prueba o resolver un rompecabeza. ¡Además, Tulip tiene en la palma de su mano derecha un número luminoso! Entonces no se encuentra solamente sin saber cómo volver a casa, tiene también que comprender el significado de este número. Esta premisa presentada en el episodio piloto se mantiene intacta y explorada más a fondo en la serie. Durante la primera temporada se comprende que los pasajeros del tren tienen problemas personales a resolver: el número representa el progreso que están haciendo hacia la resolución o aceptación del problema, llegar a cero significa estar listos para volver a casa.

Cada temporada sigue el recorrido de un protagonista diferente junto a sus compañeros de aventura, que pueden ser otros pasajeros o habitantes del tren. Como en la serie Avatar: la leyenda de Aang, las temporadas son llamadas “libros”, cada uno con un tema específico y un tono ligeramente diferente en la narración:

• Book 1: The perennial child (2019, Cartoon Network)

Aceptación del cambio y comprensión de los demás (Tulip procesa el divorcio de sus padres)

• Book 2: Cracked reflection (2020, Cartoon Network)

Definir su propia identidad personal y hacer lo que es justo para sí mismo y no para seguir la opinión de los demás (MT combate para ser reconocida como persona, Jesse tiene que aprender a ser menos sumiso)

• Book 3: Cult of the Conductor (2020, HBO Max)

El peligro de no admitir de estar equivocado cuando se descubre algo que cambia tu punto de vista, la obstinación de una ideología contra la voluntad de reparar un error (Simon y Grace malentienden la función del tren, intentando de elevar sus números y formando un grupo de niños basado en la jerarquía del “número más grande/poderoso”. Ellos creen que el tren es un paradis y que los habitantes son como los NPC de un video juego)

• Book 4: Duet (2021, HBO Max)

Miedo para el futuro, seguir sus sueños, comunicar y no huir de los problemas (Min-Gi y Ryan ingresan al mundo de los adultos con dos actitudes opuestas, corriendo el riesgo de alejarse y perder su amistad de larga data)

Los afiches oficiales de las temporadas en orden chronológico
(haga click para ver a pantalla grande)

Cada temporada cuenta con diez capítulos de once minutos cada uno, y utiliza todas las escenas al máximo para garantizar una fantástica experiencia gracias a la atmósfera surrealista de los vagones y al crecimiento personal de los personajes. A pesar de ser una serie de antología, las aventuras de los pasajeros están ligadas por un hilo conductor relacionado con las acciones del Maquinista y sus consecuencias, que han afectado el recorrido de todos, aún así indirectamente. El personaje del Maquinista es envuelto en misterio durante la primera temporada, y encontrarlo es uno de los objetivos de la protagonista. La resolución de este misterio merece ser apreciado durante la visión, por eso no quiero arruinar la sorpresa, pero puedo decir que se trata de un personaje multifacético que representa temáticas importantes como la pérdida, el cambio y la determinación. 

Infinity Train es capaz de juntar momentos emocionales serios y escenas divertidas con un buen balance, haciendo que sea una de las producciones animadas màs memorables de los tiempos recientes.

Según la visión original del creador de la serie Owen Dennis y sus autores, la serie debería tener ocho temporadas para completar las historias que querían contar. Sin embargo, los responsables del famoso servicio de streaming HBO Max no prorrogaron la serie para temporadas adicionales, aunque ya existe un guión completo del quinto libro, protagonizado por el personaje del Maquinista y su pasado. Los aficionados se movilizaron para mostrar su gran interés a través de las redes sociales y soportando la serie viéndola de manera legal en HBO Max, llevándola entre las series más en tendencia en las semanas recientes. #FinishInfinityTrain se convirtió en la palabra clave de esta iniciativa, con la esperanza de probar la demanda de la audiencia y fomentar la inversión en esta serie.

Infinity Train está actualmente disponible en la plataforma HBO Max, y algunos videos con extractos de la series están presentes en los canales oficiales Youtube de Cartoon Network y HBO Max. Las primeras dos temporadas de la serie han sido dobladas en Latinoamérica y estrenadas por Cartoon Network LA, las últimas dos probablemente estarán disponibles cuando HBO Max llegará fuera de los Estados Unidos. Desafortunadamente la serie no está todavía disponible en Italia, pero se puede esperar que existirá un doblaje en italiano en futuro en la versión europea de la plataforma. Actualmente la única manera de ver las últimas temporadas desde el extranjero es utilizar una RPV (VPN, Virtual Private Network) que además de proteger sus datos permite de cambiar su dirección IP y eludir los bloques regionales puestos por algunos sitios, como HBO Max.

¡Crucemos los dedos, esperando que esta serie tenga la justa conclusión que merece!

Las canciones prestadas: los temas de apertura italianos en Europa

Uno de los aspectos más característicos y memorables de la versión italiana de las series animadas extranjeras en los años 80-90-2000, especialmente series japonesas, son los temas de apertura. Testimonio de las tendencias musicales de su época, estas canciones de apertura hacen parte de la cultura popular italiana. Esta peculiaridad está presente también en España y Francia, y tal vez las tres versiones tienen más en común que el hecho de crear temas de apertura originales. ¡Algunas veces una pista instrumental italiana se puede encontrar en una canción española y francés!

El primer ejemplo que encontré, y probablemente el más conocido, es el caso del tema de apertura de la tercera serie de Lupin III. La canción, conocida como “Lupin, l’incorreggibile Lupin”, fue grabada en 1986 por Enzo Draghi bajo el sello discográfico Five Record (hoy en día RTI Music) para la compañía de televisión Fininvest (hoy en día Mediaset). La misma pista instrumental se reencontró en la canción de apertura española y francés de Captain Tsubasa, conocido en España como Oliver y Benji y en Francia Oliver et Tom. ¡Podéis imaginar la extraña sensación que tuvo cuando escuché el tema español por primera vez! 

Otro ejemplo es el tema de apertura italiano de Cat’s Eye, conocido en Italia como Occhi di Gatto, que comparte la pista instrumental con la serie Hello Sandybell en la versión francés. De manera similar al tema de Lupin III, la canción “Occhi di Gatto” fue grabada en 1985 por Cristina D’Avena bajo el sello discográfico Five Record para Fininvest. En este artículo se pueden encontrar otros ejemplos de temas de apertura con canciones "prestadas".

¿Pues cómo pasó esto? 

En los últimos años de los 80 Fininvest fundó las emisoras privadas Telecinco en España (1989), La Cinq en Francia (1986) y Tele 5 en Alemania (1988). Cuando la compañía compraba los derechos de emisión de series animadas, las canciones creadas para la versión italiana se reutilizaban en los temas de apertura de las series en las redes extranjeras. La Cinq y Tele 5 interrumpieron sus actividades en 1992, mientras que Telecinco es hoy en día una de las cadenas de tv generalistas principales de España.

Este curioso y divertido fenómeno muestra que en el ámbito del entretenimiento animado los italianos y los españoles tuvieron un recorrido muy similar, ¡y probablemente recuerdos de infancia en común sin saberlo! Es fascinante, ¿verdad?

TOTTOI - ¡Un anime perdido ambientado en Cerdeña se reencontró!

Una vez más los videos recomendados de Youtube me llevaron a un descubrimiento sorprendente: un pequeño comercial para una película animada japonesa que tenía un ambientación extrañamente familiar, ¡y los personajes comían pane carasau para la cena! “¿Podría ser? ¿Una película animada japonesa ambientada en Cerdeña?” ¡Pues, sí es posible!

Tottoi es una película producida en 1992, basada en una novela de 1980 con el mismo nombre escrita por Gianni Padoan. Utilizar una novela como material de origen no era inusual para producciones anime, con la creación de un sub-género de animación japonesa debido al World Masterpiece Theater: una colección de series animadas producidas cada año de 1975 al 1997 y de 2007 al 2009. ¡Incluso la serie de 1974 Heidi (Heidi girl of the Alps), uno de los primeros trabajos animados de Hayao Miyazaki, está basada en una novela suiza! Esta era una tendencia exitosa en ese momento, entonces en retrospectiva no es sorprendente que Tottoi fue adaptado para una película animada. Lo que sorprende es que, a pesar del amor floreciente de Italia por los anime y la muy frecuente importación de series para la televisión nacional, esta película nunca obtuvo una edición italiana. Irónicamente, tuvo una edición oficial en inglés y español pero es relativamente desconocida en la nación de su material original.

El libro que inspiró la película nació del bolígrafo del escritor y etólogo Gianni Padoan en el 1980. Él escribió más de cien novelas conocidas a nivel internacional y traducidas en diferentes idiomas, ganando numerosos premios por sus obras. Como etólogo estudió la conducta de los lobos, mientras que, en televisión, fue autor de numerosos programas y obras de radio, y trabajó con algunas revistas especializadas en historia.

La película sigue fielmente la narración del libro: en los años 70 el joven Antonio (Tottoi), niño de 14 años, vive con su familia en Alemania. Después de la muerte de su madre, el padre decide regresar a su país natal en Cerdeña para criar a sus dos hijos en un ambiente más sano. Así Tottoi y su hermanita descubren Dorgali y el barrio marítimo de Calagonone. Durante una exploración de las cuevas de Bue Marino, Tottoi encuentra una foca monje del Mediterráneo. Este animal se creía extinto, pero este espécimen regresó a la cueva para dar a la luz un cachorro en una playa al interior de la gruta. Acompañado por un naturalista autóctono, Tottoi logra hacer amigo con las focas, llamando el recién nacido Zabaione (sabayón) debido a una mancha amarilla que tiene en el vientre. En el curso de la película Tottoi y sus amigos defienden las focas de un emprendedor americano que quiere atraparlas para su zoológico en Florida.

Una foca monje del Mediterráneo

La foca Zabaione en la película

       

La película mantiene el mensaje de protección y conservación del medioambiente presentado en el libro, representando muy precisamente los paysages sardos y las tradiciones como su ballu tundu, un baile tradicional que tiene numerosas variantes de coreografías según de la zona de Cerdeña, pero tienen todas en común el hecho de bailar en grupo en formación circular. 

Imagen del grupo de folk Ittiri Caneddu compartida por Cristiano Cani

La película fue producida por Nippon Animation, el mismo estudio que produjo el World Masterpiece Theater que mencioné antes, y se estrenó en el año 1992 en canal de televisión NHK. El largometraje fue doblado y se estrenó en 1993 en inglés y español respectivamente con los títulos The secret of the seal y El secreto de la foca. La película ha sido desconocida en Italia hasta el 2012, cuando el proyecto de una clase de la escuela secundaria de Dorgali ofreció un doblaje en italiano. Los estudiantes prestaron sus voces y el resultado es una versión italiana particular que incluye expresiones en idioma sardo. La película fue presentada el 17 marzo 2012 en el teatro municipal de Dorgali durante el festival de cine Cinema Musica Ambiente Società organizado por el ayuntamiento con la participación de la Asesoría de la Cultura de la Región Cerdeña.

Es una lástima que no exista un doblaje oficial, pero el proyecto de la escuela de Dorgali es una iniciativa muy admirable que permitió a esta película de ser por fin conocida en el lugar de origen de su historia. 

Aquí está la película completa doblada en español, ¡disfrútala!

Novedades: ¡avance de Faulas!

¡Bueno, en la cuenta de Michela Atzeni encontré un pequeño avance del cortometraje del que hablamos anteriormente! Parece que el título de la producción cambió de Faulas si credia a simplemente Faulas. 

Podemos ver que la animación en stop-motion utiliza personajes creados con marionetas de papel, con una estética parecida a la de las ilustraciones en cuentos para niños coloradas con marcadores. Personalmente creo que es un efecto muy bonito y gracioso.

En los créditos, los nombres del equipo que colabora con Michela Atzeni son diferentes de los que presenté anteriormente, eso es porque este es el equipo definitivo para el cortometraje. Michela Atzeni escribe, dirige y trabaja en la animación, Giulia Pes se ocupa del storyboard (es decir la planificación del movimiento de los personajes), mientras que el character design (el diseño y la estética de los personajes) es de Marina Brunetti. 

La voz narradora será Lia Careddu, con las músicas de Simone Mura, con la fotografía de Federica Ortu y color grading de Damiano Picciau, bajo la organización de Laura Biagini y la producción ejecutiva de Mommotty. Es posible especular que las personas previamente implicadas en el equipo trabajan sobre otro proyecto para Mommotty. 

¡Hasta luego con más novedades y curiosidades sobre el mundo de la animación!

Los cortometrajes de Sardegna Film Commission - Cuarto: antropología, tradición y arte

Después de “historia, arqueología y leyendas de la Cerdeña”, “flora y fauna” y “personajes ilustres sardos”, el cuarto capítulo de la miniserie de análisis de los cortometrajes animados de Sardegna Film Commission es el tema de “antropología, tradición y arte” representado por “Faulas si credia”.

Tema: antropología, tradición y arte

Este cortometraje es una recolección de dichos de la tradición popular, de estereotipos y expresiones contextualizados dentro de rimas que explican su significado, bajo forma de cuentos de hadas.

Producido por Mommotty, el cortometraje será dirigido, escrito y animado por Michela Anedda, con las músicas de Emanuele Contis y la voz de Michela Atzeni. La técnica de animación es una de mis favoritas, el stop-motion. La animación en volumen o animación fotograma por fotograma, definida más recientemente como stop-motion también, consiste en simular el movimiento de objetos estáticos a través de una serie de imágenes fijas en sucesión. Con esta técnica se puede producir movimiento animado de cualquiera objeto sacando fotografías y poniéndolas en secuencia. Las posibilidades son infinitas: juguetes, muñecas articuladas, plastilina, arena, recortes de papel (como vemos en el caso del collage animado), ¡y personas también! En el último caso se habla de una técnica más específica llamada pixilation que utiliza los mismos principios con las personas en lugar de objetos.

La técnica del stop-motion ha sido utilizada también para los efectos especiales en películas famosas como por ejemplo la primera interpretación de King Kong en 1933, los terroríficos efectos de Beetlejuice (1988) y los temibles Gremlins en algunas escenas de las homónimas películas, alternados al utilizo del muñecos animatronicos. Ejemplos de animación stop-motion célebres son: películas de la compañía Aardman animations como Wallace y Gromit, Chicken Run: Evasión en la granja (conocido también como Pollitos en fuga), La oveja Shaun: La película (Shaun, el Cordero: La película); Coraline, Kubo y las dos cuerdas mágicas y El alucinante mundo de Norman (ParaNorman) del estudio Laika; y por fin la serie suizo-británica Pingu.

Uno de los más célebres ejemplos de stop-motion en Italia de la serie MioMao por estudio Misseri, cariñoso producto de animación con plastilina protagonizado por dos gatitos curiosos que exploran su mundo colorado. ¡El mismo estudio produjo en colaboración con NHK una serie, Pozzie, animada utilizando gotas de verdadera agua para crear figuras en movimiento, con una técnica nueva! Personalmente creo que el estudio Misseri merece un artículo entero dedicado a sus producciones, ¡podría pasar en el futuro!

MioMao desde la página de estudio Misseri

Pozzie desde la página de estudio Misseri

Michela Anedda es graduada en diseño industrial en la Universidad de Estudios de Sassari y consiguió un Master of Arts en animación al Edinburgh College of Art con la producción del cortometraje Cogas, seleccionado en numerosos festivales de cine italianos y internacionales, ganó el Best Italian Animation al Sardinia Film Festival. Participó en el proyecto de investigación universitaria para la comunicación visual de la Región Cerdeña al Expo. Como profesional independiente colabora con directores sardos y dirige cortometrajes animados: entre ellos “Sei tu il nostro eroe” para el proyecto Heroes 20.20.20 de Sardegna Film Commission, seleccionado al festival brasiliano Anim!Arte. Michela Anedda organiza también laboratorios de animación stop-motion para adultos, jóvenes adultos y los más pequeños.

Cogas from michela on Vimeo.

En diferentes ocasiones su trabajo hizo parte de documentales: en 2018 su animación stop-motion contribuyó a la narración de “L’Uomo con la Lanterna” dirigido por Francesca Lixi, que reconstruye la vida se su tío como trabajador de la Italian Bank of China en los años 20, gracias a fotografías y grabaciones en película 8mm, y como descubrir esto pasado influyó en la vida de Francesca Lixi misma. 

Además, en 2019 trabajó en la gráfica de movimiento (motion graphics) del breve documental “Ràixe - Spazi digitali per la cultura tabarchina”, producido por Ginko Film como contenido multimedial para el museo de Calasetta. El documental cuenta la fascinante historia del pueblo tabarquino y su recorrido nómada por el méditerraneo en el curso de los siglos.

Michela Atzeni es actriz de teatro, actriz y directora de doblaje. Después de la formación teatral estudió interpretación en el Teatro dei Filodrammatici de Milán y en 2014 se graduó en la Escuela de Doblaje del Centro O.D.S. de Turín, para el que hizo su primeros trabajos de doblaje. Desde 2010 colabora con Sardegna Teatro en diferentes producciones teatrales que giran a nivel nacional. Ha leído numerosos audiolibros para las plataformas Storytel.it y Audible.com. Ella es jefe de la compañía QUARANTACINQUE audiolibri e doppiaggio y es productora, lectora y curadora de audiolibros con distribución nacional y servicios de doblaje y locución. Podemos escuchar su voz en un extracto del audiolibro “Sentinella della pioggia” en Audible.com.

Emanuele Contis es un músico y compositor sardo. Después de un breve periodo como ingeniero, descubrió su verdadera vocación y profundizó en el estudio de la música, su pasión, al Berklee College of Music de Valencia. Una pasión que él tuvo desde que tocó el saxofón a los seis años, y que ahora es su profesión. Desde 1997 gira por Italia con diferentes artistas nacionales adaptándose a todos los estilos, convirtiéndose en un personaje conocido por la improvisación y versatilidad artística. El es el fundador de INDÒRU - Boutique del suono, un estudio creativo musical y de sonido con base en Cerdeña: en INDÒRU el compone música para serie tv, cortometrajes, comerciales, y también la banda sonora para su primer cortometraje. Podéis escuchar ejemplos de su trabajo en soundcloud y su sitio personal.

Yo adoro la estética de la técnica stop-motion, especialmente cuando utiliza la plastilina, además los dichos y expresiones me encantan, ¡por eso creo que esto podría convertirse en uno de mis cortometrajes favoritos cuando esté disponible! 

El próximo y último cortometraje será “La Rondine”, que representa el tema de sostenibilidad, cambio climático y calidad de vida, ¡hasta luego!

Los cortometrajes de Sardegna Film Commission - Tercero: personajes ilustres sardos

A continuación de la miniserie de análisis de los cortometrajes animados de Sardegna Film Commission después “historia, arqueología y leyendas de Cerdeña” y “flora y fauna”, el tema de este capítulo es “personajes ilustres sardos”, representado por “Il volo di Aquilino”.

Tema: personajes ilustres sardos

En este cortometraje el encuentro entre el anciano escritor, columnista y uno de los más conocidos poetas de Cagliari, Aquilino Cannas, y un flamenco rosa es ocasión para un diálogo emocionado en idioma sardo, idioma que la genti arrubia suele entender desde cuando optaron por vivir en Molentargius. Los flamencos son llamados genti arrubia en la zona de Cagliari debido a su intensa coloración en su plumaje, y son uno de los símbolos del área del estanque del Molentagius.

Producido por Karel, el cortometraje será dirigido por Davide Melis, escrito por Giacomo Pisano, ilustrado por Vania Isabelli y animado por Matteo Fadda. Elio Turno Arthemalle y Antonella Puddu serán las voces de Aquilino y del flamenco, mientras que las músicas serán composiciones por Francesco Medda (Arrogalla).

Pues, tengo que admitir, esta vez encontrar información sobre la posible estética del cortometraje ha sido muy difícil. De hecho, las pocas informaciones que podría encontrar sobre Vania Isabelli son asociadas a una diseñadora de moda que es, según su perfil de Facebook, interesada en unas de las películas dirigidas por Davide Melis, “A Bolu”. Estoy convencida que es la persona que buscaba, pero actualmente no puedo confirmar o mostrar ejemplos de su trabajo de ilustración. Puedo especular e imaginar que se trata de su primer trabajo de ilustración de este género para el cine. 

Por otro lado, ejemplos de trabajo de Matteo Fadda son más fáciles de conseguir. Matteo Fadda es animador, editor y director de cine. El trabajó en 2015 en la animación y gráfica del documental “Lunàdigas, ovvero delle Donne senza figli”, que explora las historias de mujeres que debido a diferentes razones y recorridos de vida no tuvieron hijos. Historias que cubren un siglo de vida italiana, mujeres célebres y comunes, lejanas y recientes en el tiempo. Podemos ver algunas animaciones de Matteo Fadda en el avance del documental.

Además, en 2018 escribió con Giacomo Litera y dirigió la película soft-horror fantasy “I misteri di Ichnos - La strega di Belvì” sobre una maldición antigua y la última de siete hijas, una misteriosa leyenda que va a repetirse en el presente. La película es dirigida a un público joven, pero tuvo una buena recepción por los adultos también. La película es la primera de una serie que quiere utilizar las leyendas de la Cerdeña para contar nuevas historias. Podéis ver aquí el avance de la película.

Para la misma casa de producción de “La strega di Belvì”, JuFilm de Ignazio Dessì, Matteo Fadda escribió con Giacomo Littera y dirigió, animó y editó el cortometraje “Piccoli Eroi” en 2015. El pequeño protagonista sueña con las aventuras de su superhéroe favorito durante la lectura de un cómic. Se da cuenta que en el mundo real no necesita superpoderes para cambiar las cosas. 

Davide Melis dirigió numerosos documentales y películas, la mayoría de estos producidos por Karel. Las producciones más relevantes para el tema del cortometraje son: “Life - La vita del parco Molentargius” (2017), documental sobre los flamencos del Parque Molentargius, se puede ver gratuitamente en vimeo; “Sardegna, natura da vivere” (2016), documental naturalistico; “L’insolito ignoto - Vita acrobatica di Tiberio Murgia” (2012), biografía del actor Tiberio Murgia; “A Bolu” (2019), documental sobre el arte del canto de los tenores sardos. Además, en 2010 dirigió un documental sobre el radiotelescopio de nuestro proyecto estelar, “Sardinia Radio Telescope - The Big Lift”. Vaya, qué casualidad, ¿verdad?

Giacomo Pisano es graduado en arqueología medieval, desde hace veinte años se ocupa de arte contemporáneo, moda y body art. El publicó dos monografías, “Il nido del basilisco” y “L’apocalisse, ora”, dedicadas a importantes edificios de culto en Cerdeña. Trabaja para el servicio de comunicación de la presidencia de la Región Autónoma de Cerdeña y es comunicador público y social media content manager, es decir dirige la producción de contenido para las redes sociales. Además, él ha sido curador por 10 años de los centros de Arte y Cultura de Cagliari y co-fundador de la asociación cultural Terra Atra, que organizó un evento dedicado a Aquilino Cannas en la plaza del ayuntamiento de Cagliari en 2018.

El evento de lectura “Aquilino Cannas, parole e immagini di un poeta urbano” contó la vida del poeta desde la infancia en el barrio de Villanova en Cagliari hasta su cautiverio en Argelia, su actividad cultural y su vida cotidiana en familia. Aquilino Cannas nació en 1914 e interrumpió sus estudios debido a la Segunda Guerra Mundial. En 1943 su batallón fue derrotado en Túnez por el ejército inglés y por eso fue detenido en Saida, Argelia, durante tres años. En este periodo se concentró en estudios, lecturas y poesías. Después a la vuelta trabajó cómo ecónomo para la Región hasta su retiro en 1972. Él juntó actividad poética y publicitaria con un gran compromiso en el ámbito cultural y medioambiental. Se ocupó de la recalificación del hipódromo en el Poetto, de las peleas contra la cementificación sin reglas, del resurgimiento de la fiesta de San Efisio y de muchas actividades en el idioma sardo y el bilingüismo en las escuelas.

La representación fue acompañada por la música de Francesco Medda “Arrogalla”, el mismo artista que creará la banda sonora del cortometraje. Aquí podemos escuchar un ejemplo de su trabajo musical:

Francesco Medda “Arrogalla” es un compositor de música electrónica de Quartu Sant’Elena, co-fundador del proyecto Dub Versus con Giacomo Casti. Estudia los paisajes sonoros y la música electroacústica.

Las voces del cortometraje son Elio Turno Arthemalle y Antonella Puddu, que tienen experiencia en el mundo del teatro: el primero trabaja en radio, en teatro, y es el director artístico de la compañía Teatro Impossibile; la segunda trabaja en teatro, en colaboraciones músico-teatrales y hizo el doblaje de los libros “Le avventure di Bakis” y “Su Sardu Gioghendu”.

Personalmente creo que este corto tiene mucho potencial en el ámbito sonoro, y estoy muy curiosa por el resultado final. 

El próximo cortometraje será “Faulas si credia”, que representa la temática de “antropología, tradiciones y arte de Cerdeña”, ¡hasta luego!